CARTOON CLASICO

LA MEDIDA EXACTA DE LA ANIMACION

2007-05-04T09:08:00.000+02:00

En el excelente blog de animación "esperantoapaulpot", su autor nos hace unas serias y acertadas reflexiones sobre el formato cortometraje en la animación y sobre el carácter de narración autoconclusiva del corto americano frente a la opción por el drama y la narración lineal e historica de la animación japonesa. De obligada lectura.

EL ESTUDIO METRO GOLDWYN MAYER (1ª Parte)

2007-04-27T19:27:00.000+02:00

Las producciones animadas de MGM en los cuarenta y cincuenta se caracterizaron, igual que sus hermanas mayores de acción real, por su impresionante derroche de lujo, medios y de talentos. Sin embargo, el interés de MGM por distribuir películas de animación fue bastante tardío y, de algún modo provocado por el éxito de las producciones de Walt Disney.

Quizás sea por ello que, tras un fracasado intento llegar a un acuerdo con Disney, MGM firmara un contrato con Pat Powers para distribuir las películas de Ub Iwerks, a quien entonces aun se consideraba como el genio detrás del éxito de Disney. De este modo, la primera incursión de MGM en la animación fue la distribución de la serie Flip the Frog (La rana Flip).

Flip the Frog en "Fiddlesticks" (1930) y "Funny Face" (1932)

El primer corto, “Fiddlesticks” (1930), el único realizado en color, muestra a un personaje que, a lo largo de tres años y 24 entregas, ira evolucionando hacia un diseño más antropomórfico. La rana original ira perdiendo su apariencia anfibia acercándose al prototípico estilo de Mickey Mouse generalizado en las películas de la época. La serie Flip fue sustituida por las historias de Willie Whoper, un muchacho capaz de contar las más fantásticas mentiras. El poco éxito de este personaje condujo a la ruptura del acuerdo de distribución de MGM con Powers e Iwerks.

The Office Boy (1932)
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Los siguientes cortos animados distribuidos por MGM fueron los de la serie “Happy Harmonies” del Estudio Harman-Ising. Hugh Harman y Rudy Ising habían abandonado recientemente el estudio de Leon Schlesinger (Looney Tunes y Merrie Melodies) por desavenencias presupuestarias, para crear su propio estudio. Con ellos se llevaron parte del personal de Schlesinger, incluyendo a Carmen “Max” Maxwell, William Hanna y Bob y Tom McKimson.

Huhg Harman y Rudolf Ising

La nueva serie “Happy Harmonies”, concebida como un producto de alto presupuesto, duró tres años, y fue realizada enteramente en technicolor. La primera película “The Discontented Canary” fue estrenada en septiembre de 1934. Varios de los cortometrajes fueron protagonizados por Bosko, personaje cuya propiedad mantuvieron al abandonar Schelesinger y que en 1935 transformaron en un realista chico de color.

Diseños de Bosko de 1933 y 1936 respectivamente

Harman e Ising trabajaron como directores independientes, realizando cada uno sus propias películas y elaborando cortos que, por su alto grado de detalle y calidad técnica, tenían un elevado coste. Ello condujo a la pareja a tener problemas presupuestarios por segunda vez. En febrero de 1937, MGM decide despedir a Harman e Ising y abrir su propio estudio de animación.

To Spring (1936)
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TOM Y JERRY EN “LEVANDO ANCLAS” y “DANGEROUS WHEN WET”

2007-04-22T10:12:00.000+02:00

Estas son las dos secuencias animadas de las películas de MGM “Levando Anclas” (1945) y “Dangerous When Wet” (1953) en las que Tom y Jerry interactúan con personajes reales: Gene Kelly y Esther Williams respectivamente.

"Anchor Aweigh" Secuencia Animada
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"Dangerous When Wet" Secuencia Animada
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BOSKO, EL ORIGEN DE LOONEY TUNES

2007-03-23T09:33:00.000+01:00

En 1929 Hugh Harman y Rudy Ising crearon este episodio piloto como muestra de su habilidad para sincronizar musica y dialogos. Consiguieron con el interesar a Leon Schlesinger, quien les propone una serie para Warner Bros con el personaje. El año siguiente realizan “Sinkin’ in the Bathtub”, que seria el primer corto de la serie “Looney Tunes”.

BOSKO THE TALKINK KId
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INVENTOS: EL "ROTOGRAPH" DE FLEISCHER

2007-03-14T20:35:00.000+01:00

Desde sus inicios, los productores de películas de animación han sentido la necesidad de superar la bidimensionalidad propia de la técnica de acetatos en animación (plana por definición), desarrollando procedimientos que pudieran crear la ilusión de trimensionalidad. Se centraron básicamente en conseguir efectos de profundidad en los escenarios, ya que la corporeidad y el movimiento en el espacio de los personajes se consiguen mediante un buen dibujo con volumen.

Para ello, a lo largo de los años, fueron desarrollándose procedimientos técnicos que cristalizaron, sobre todo, en la invención de la cámara multiplano. Este artilugio, conseguía la sensación de profundidad de campo en los fondos, descomponiendo éstos en diferentes capas y regulando la distancia entre ellas.

La cámara multiplano, sin embargo, no conseguía sensación de profundidad más que en los ejes vertical y horizontal de la cámara (moviendo las capas del fondo arriba y abajo o en panorámica a distintas velocidades) y, por tanto, solo era aplicable a fondos fijos. Aun faltaba, para conseguir la ilusión completa, dotar de movimiento a los fondos en si; esto es, conseguir que la perspectiva se modificase conforme los elementos del fondo se movieran. Para ello, nada más lógico que utilizar fondos realmente corpóreos. El “Rotograph” de Fleischer se basa en este principio, sustituyendo, para ello, los fondos pintados sobre acetatos por maquetas móviles.

En 1933 Max Fleischer diseñó un tablero circular rotatorio sobre el que se montaban unos recortables con los elementos del fondo (casas, árboles, etc). Los acetatos con la animación se colocaban en una marco de cristal frente al escenario de modo que la cámara al filmarlos incluyera a éste. Cuando el tablero rotatorio se giraba una fracción de centímetro con cada fotograma filmado, los recortables del fondo, situados a diferentes distancias de la cámara, se movían con una perspectiva muy realista. Un paso más allá se consiguió al sustituir los recortables planos por autenticas maquetas tridimensionales. Todas estas invenciones y sus mejoras, fueron diseñadas por el propio Max Fleischer con la asistencia del técnico del estudio John E. Burks.

Los cortometrajes de Popeye fueron los primeros en beneficiarse de esta nueva tecnología. Pronto se emplearían también en los cortos de Betty Boop, en la serie “Color Classic” y en el segundo largometraje del estudio Fleischer “Mr. Bug Goes to Town” (1941). Fueron, sin embargo, los tres mediometrajes de Popeye (“Popeye the Sailor Meets Simbad the Sailor” (1936), “Popeye Meets Ali Baba and His Forty Thieves” (1937) y “Popeye Meets Aladdin and His Wonderful Lamp” (1939)) los que hicieron un uso más inteligente e intensivo del invento. Para muestra, véase este montaje de escenas de estas películas.

Fleischer Rotograph Montage
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En estas paginas, procedentes del número de noviembre de 1936 de la revista Popular Science, se describe perfectamente e ilustra con detalladas imágenes el procedimiento. El material original fue publicado por Jerry Beck en Cartoonbrew.

Por ultimo, el “Rotograph” se puede ver en acción en este fragmento del documental de 1938, también de Popular Science, dedicado al Estudio Fleischer.

Fleischer Studio
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MARAVILLAS: EPILOGO E INDICES

2007-03-09T11:05:00.000+01:00

NOTA SOBRE COPYRIGHT: Todas las imágenes y texto son propiedad de Walt Disney Company o del autor del libro y se reproducen aquí solo para propósitos educativos y de diversión. Ninguna infracción es intencionada. Este contenido será retirado de inmediato a petición del propietario del copyright.

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INVENTOS: LOS AVANCES TECNICOS DE LA ANIMACION

2007-03-09T10:41:00.000+01:00

La historia de los dibujos animados es, en parte también, la historia de sus avances técnicos. Al añadido del sonido, el color y los formatos panorámicos, fruto todos ellos de los avances del medio cinematográfico en general, hay que sumar las innovaciones técnicas propias y especificas del género animado.

Bajo el título “Inventos”, quiero comenzar en este blog una serie de artículos comentando los más destacados, a saber:

- El uso de acetatos de celuloide.
- La invención del Storyboard.
- Los procedimientos de sincronía sonido-imagen.
- La Rotoscopia, que permite trasladar directamente una filmación real a dibujo animado.
- La cámara multiplano.
- El uso de procedimiento xerográficos en el trazado de los acetatos
- Los sistemas de integración de imagen real y dibujos animados.
- El Rotógraph de Fleischer, que permite combinar fondos reales con animación.

El siguiente post comienza la serie por este último.

MARAVILLAS... 8: ESCENOGRAFIA Y COLOR

2007-03-08T10:24:00.000+01:00

DICKY MOE: LOS TOM Y JERRY DE GENE DEITCH

2007-03-08T09:37:00.000+01:00

Durante el periodo 1960 a 1962, MGM encargó trece nuevos episodios de Tom y Jerry al director animador americano Gene Deitch, quien en aquel momento trabajaba en un estudio de Checoslovaquia. El escaso presupuesto con el que contaba y la inexperiencia de sus animadores condujeron a resultados muy pobres y alejados del original. Como ejemplo, este corto de 1961 titulado “Dicky Moe”. El resto de la historia esta contado aquí.

Dicky Moe (Gene Deitch)
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MARAVILLAS... 7: LA ANIMACION

2007-03-06T09:18:00.000+01:00

CARTOON AL ESTILO ART DECÓ

2007-03-05T10:51:00.000+01:00

Curioso intento de introducir elementos de estilo “Art Decó” en un dibujo animado convencional de mediados de los treinta. “Page Miss Glory” (1936), a pesar no de contar con ningún tipo de crédito, es un cortometraje de Tex Avery, que el propio Avery describe como un trabajo más de encargo.

La segunda parte de película, la escena del sueño, se desarrolla en un moderno hotel de Nueva York, con decorados Art Decó, coreografías tipo Busby Berkeley y personajes al estilo de los dibujos de la revista New Yorker. El diseño se atribuye a una inexistente artista de nombre Leodora Congdon, que durante años se ha especulado podría ser el pseudónimo de alguna de las muchas amiguitas de Leon Schlesinger.

Hacia el final de la película un fotograma nos muestra las caricaturas de varios artistas del estudio. A saber, de izquierda a derecha: Un personaje desconocido, Melvin Millar, Robert Cannon, Bob Clampet, Tex Avery, otro no identificado y Chuck Jones.

Page Miss Glory
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MARAVILLAS... 6: LA ESCENOGRAFIA

2007-03-02T09:42:00.000+01:00

EL PAJARO LOCO EN "DESTINATION MOON" DE GEORGE PAL

2007-03-01T13:13:00.000+01:00

Tras la reapertura de su estudio en 1950, el primer trabajo del Estudio de Walter Lantz, fue un pequeño fragmento animado en el largometraje de su amigo y colega George Pal. Esta fue la primera vez que la mujer de Lantz, Grace Stanfford, prestaría su voz al personaje de Woody. Antes del cierre del Estudio, este personaje estaba interpretado por Mel Blanc.

(Mas en Animation ID de Thad Komorowsky)

Destination Moon
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MARAVILLAS... 5: LA DIRECCION

2007-02-28T12:05:00.000+01:00

DOS PELICULAS PUBLICITARIAS DEL ESTUDIO FLEISCHER

2007-02-28T11:59:00.000+01:00

La primera de ellas, “Finding His Voice” es una demostración practica, dirigida a los dueños de salas de cine, proyeccionistas y técnicos de sonido, de cómo funcionan las “películas habladas”. Se trata de una película encargo, comisionada por Western Electric, empresa propietaria de una de los sistemas de sonido más usado en la época. La propia empresa (Western Electric, Electrical Research Products, Inc. “W.E. ERPI) firma el guión del cortometraje. Si tenemos en cuenta que se produce en 1929, tan solo dos años después del estreno de la primera película sonora “El Cantor de Jazz”, es evidente su alto valor histórico.

Fleischer - Finding His Voice
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En la segunda “In My Merry Oldsmobile” (1931), Fleischer aprovecha el formato de su serie “Screen Song Cartoons” para realizar esta película publicitando el Oldsmobile de General Motors. En esta serie, producida entre 1929 y 1938, cada entrega se basa en una canción popular, que es cantada tanto por los personajes en la pantalla como por el público del cine. Para esto último, Fleischer había desarrollado un procedimiento, “Bouncing Ball”, en el cual una pelotita blanca iba saltando sobre las palabras de la letra de la canción en sincronía con la música.

Fleischer - In My Merry Oldsmobile
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MARAVILLAS...4: LA MUSICA

2007-02-27T08:40:00.000+01:00

"STONE AGE CARTOONS": UN PRECEDENTE DE "LOS PICAPIEDRA"

2007-02-26T10:52:00.000+01:00

Mientras el Estudio Fleischer de Florida comenzaba la producción de un segundo largometraje animado, se iniciaron varios proyectos para cortometrajes. Algo había que hacer para mantener ocupados a 700 empleados. La serie “Stone Age Cartoons” comenzó su andadura en febrero de 1940 y duró tan solo siete meses, durante los cuales se produjeron doce títulos.

El animador Joe Oriolo nos cuenta: “Todo lo que hoy día vemos en los Picapiedra de Hanna-Barbera, ya lo hicimos nosotros antes en la serie Stone Age”. Al contrario que en “Los Picapiedra” aquí no existen personajes centrales. Las versiones prehistóricas de los inventos de hoy día y las situaciones domesticas de la serie de Hanna-Barbera, están veinte años antes en “Stone Age Cartoons”.

La serie contiene todos los elementos típicos de los dibujos animados de Fleischer de principios de los cuarenta. Max Fleischer, de nuevo en su elemento, adereza cada entrega con situaciones inteligentes y sus habituales gags encadenados. A pesar de ello, las películas “Stone Age Cartoons” carecen de la chispa de otras producciones Fleischer de la época.

(Texto e imágenes extraídas de “The Fleischer Store” de Leslie Cabarga”)

Fleischer Granite Hotel
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MARAVILLAS... 3: EL SONIDO

2007-02-25T10:22:00.000+01:00

WALTER LANTZ: EL DIRECTOR DE ANIMACION

2007-02-25T10:08:00.000+01:00

El Show del Pajaro Loco en televisón, solía incluir fragmentos de un documental sobre la producción de un dibujo animado. Cuando era niño, esta era mi parte favorita del show. En el capitulo que Kevin Langley nos ofrece en su blog, se nos habla de las funciones del director en un estudio de animación.

Walter Lantz - The Cartoon Director
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MARAVILLAS... 2: LOS PERSONAJES

2007-02-22T20:34:00.000+01:00

OSCARTOONS 1935

2007-02-22T13:30:00.000+01:00

THREE ORPHAN KITTENS, ganador

Una deliciosa y simple historia, unos encantadores y tiernos personajes…. Todo en este corto es almibarado y algo cursi. El argumento gira en torno a tres cachorritos de gato que se cuelan en una casa donde, jugando, organizan un fenomenal estropicio. La criada los descubre y los echa a la calle donde finalmente son adoptados por una niña.

Es un corto de Disney poco conocido, dirigido por David Hand. Con un acertado uso del color y novedades en cuanto al tratamiento de fondo móviles en perspectiva. Los tres gatitos de esta película aparecerían un año más tarde en una secuela llamada “More Kittens” y en varios cortos de Pluto.

THE CALICO DRAGON, nominado

Otro cortometraje poco conocido dirigido por Harman- Ising. Un niño esta jugando cuando se queda dormido sobre una colcha de retales. En su sueño, entra con sus juguetes (una muñeca de trapo, un perro escocés y un caballo) en un mundo hecho de retales y parches, donde se ven envueltos en una pelea con un dragón de tres cabezas.

Es una película visualmente innovadora realizada con fondos en los que se mezclan diferentes patrones y texturas, algunos realizados en tela.

WHO KILLED COCK ROBIN?, nominado

Todo lo que tiene “Three Orphan Kittens” de blando y tierno, lo tiene “Who Killed Cock Robin?” de acido y mordaz. Esta película es una pequeña obra de arte, llena de un humor adulto e inteligente, música al estilo opereta y una perfecta caracterización de personajes sustentada por una animación extraordinaria. El propio Disney la incluyo entre sus favoritas de 1935.

Mientras canta una serenata a su amada Jenny Wren, Cock Robin es alcanzado por una flecha de Dan Cupido y cae al suelo, aparentemente muerto. La policía detiene a varios sospechosos a quienes en el posterior juicio, el juez, subyugado por los encantos de Jenny Wren, pretende colgar sin más trámite. Finalmente, Cock Robin, que tan solo estaba atontado por el golpe, vuelve a la vida y a los brazos de su chica.

“Who Killed Cock Robin?” reune al guionista Bill Cotrell con el artista Joe Grant, en una de sus primeras colaboraciones anteriores a su entrada en el estudio. El director Dave Hand contó para este corto con un extraordinario equipo de animadores, incluyendo a Han Luske (que animó la mayoría de las escenas de Jenny Wren y Cock Robin), Norm Ferguson (el juez buho), Bill Roberts (el loro fiscal) y Dick Lundy (Dan Cupido).

El personaje estrella es, por supuesto, Jenny Wren, una caricatura de la actriz Mae West animada con sutileza desconocida hasta entonces en Disney. Otros personajes, aun sin llegar ser caricaturas exactas, están basados en actores o cantantes reales, como Cock Robin (Bing Crosby), Dan Cupid (Ed Wynn) o el cuco (Harpo Marx).

COMENTARIOS SIN CONTESTAR

2007-02-21T19:06:00.000+01:00

Acabo de darme cuenta de que no es que nadie comentara mi blog, sino que yo no sabía como ver los comentarios. A todos los que me escribisteis, mis sinceras disculpas. A partir de ahora procuraré leer vuestras opiniones y contestar, al menos, las mas recientes.

MARAVILLAS... 1: EL ASUNTO

2007-02-21T18:33:00.000+01:00

MARAVILLAS... : INTRODUCCION

2007-02-21T18:15:00.000+01:00

MARAVILLAS DE LOS DIBUJOS ANIMADOS

2007-02-21T18:07:00.000+01:00

Como regalo a los pocos lectores que aun me quedan (tras este largo paréntesis), quiero compartir con vosotros el libro que me inició en este fascinante mundo de la animación: “Maravillas de los Dibujos Animados” de Bob Thomas.

Publicado en su edición original en 1958, se tradujo al castellano diez años después de la mano de la valenciana Editorial Gaisa. Tomando como hilo conductor la realización de “La Bella Durmiente” (1958), el libro hace un repaso de la historia del Estudio Disney y, en capítulos separados, recorre las distintas fases de la producción de un largometraje animado.

A pesar de la ingenuidad de su texto, notablemente acentuada por una pésima traducción, y de su antigüedad, se trata de un texto que aun conserva su vigencia como reflejo del modo de producción y realización de una película de animación en el periodo más clásico del medio.

He puesto todo mi cuidado en la restauracion de las páginas (con manchas, desgarros, ets.). A pesar de ello, en algunas ilustraciones aun se pueden ver las huellas de mi voraz lápiz infantil. Disculpas.

Espero que lo disfrutéis y os fascine tanto como me fascinó a mi en su dia.

JOE BARBERA (1911-2006).

2006-12-20T00:25:00.000+01:00

LOS PADRES DE BUGS BUNNY

2006-10-01T20:46:00.000+02:00

Todos los personajes de dibujos animados que tienen, como Bugs Bunny, una larga carrera, evolucionan en su diseño de tal forma que resulta imposible atribuir su paternidad a un solo artista, sino, antes al contrario, a toda una serie de personas que ayudaron a definir tanto su apariencia física como su personalidad.

Existe una teoría ampliamente difundida, que surge de un comentario de Frank Tahslin (recogido por Mike Barrier), según la cual Bugs Bunny no sería más que un plagio de Max Hare, la liebre de “The Tortoise and the Hare” de Disney. En apoyo de esta teoría está el hecho de que el diseñador de Max Hare, Charlie Thorson, fue también uno de los encargados de rediseñar a Bugs. Sin embargo, la aportación de Thorson no se produce hasta un par de años más tarde y, por otro lado, la simple comparación de ambos personajes, desmiente de forma categórica esta teoría.

Max Hare, el supuesto plagiado

La primera película protagonizada por lo que puede ser considerado un primer prototipo o un ancestro de Bugs Bunny es “Porky’s Hare Hunt”, dirigida por Ben “Bugs” Hardaway en 1938. En ella aparece un conejo blanco de prominente nariz a quien, a los meros efectos de poder ser identificado, se conocerá en el estudio con el nombre genérico de “Happy Rabbit”.

Bugs prehistorico: Happy Rabbit

“Porky’s Hare Hunt” es en un triple sentido una repetición de la película de 1937 “Porky’s Duck Hunt”, en la que se basan tanto el título (obviamente), como el argumento y el personaje. En las dos películas, Porky interpreta el papel de un cazador burlado y ridiculizado por la presa a quien pretende cazar: un pato en una película y un conejo en la otra. Ambos personajes son igualmente idénticos, excepto por su apariencia. Happy Rabbit no es más que un Daffy disfrazado de conejo, con la misma personalidad salvajemente alocada, transgresora, surrealista y sin sentido.

"Porky's Hare Hunt"

En el año siguiente, Happy Rabbit protagonizará la película de Chuck Jones “Prest-O Change-O”, sin alterar sustancialmente ni su diseño ni su personalidad a lo Daffy.

"Prest-O Change-O"

Será en “Hare-um Scare-um”, también de 1939 y dirigida por Cal Dalton y Ben Hardaway, donde se comienzan a producir los cambios que van definiendo al personaje. Para comenzar, Charlie Thorson rediseña al conejo dotándolo de pelaje gris, un hocico más prominente y sus dos característicos dientes incisivos. Es también aquí cuando se produce el bautismo no oficial del personaje a quien, en una hoja de modelos, el animador Gil Turner denomina el conejo de Bugs (“Bug’s” Bunny), por el director de la película Ben “Bugs” Hardaway.

El Bugs de Hardaway

"Hare-um Scare-um"

En la película de Chuck Jones “Elmer’s Candid Camera” de 1940, Bugs y Elmer son nuevamente rediseñados. Bugs de forma ligera, dándole una apariencia más elegante y orejas con puntas negras. Elmer de una forma mucho más profunda, que lo acerca casi definitivamente a su diseño final. La personalidad de Bugs continúa siendo tan salvaje y alocada como en películas anteriores, aunque algo más reflexiva.

"Elmer's Candid Camera"

Con “A Wild Hare”, tambien de 1940, Tex Avery realiza una película crucial para el desarrollo de Bugs Bunny. No solo se vuelve a rediseñar el personaje, sino que por primera vez se establecen las bases de la personalidad que lo hará famoso. La locura exhibida en anteriores películas se atempera con una carácter más racional e inteligente. Es en “A Wild Hare” donde Bugs adquiere esa chulería y sofisticación que lo definirán (con sutiles diferencias entre los distintos directores que usan al personaje) para el resto de su carrera. También es Avery quien proporciona al conejo su famosa frase “¿Qué hay de nuevo, viejo?” (What’s Up, Doc?). La importancia de “A Wild Hare” es tal que muchos críticos consideran esta película como la primera de Bugs Bunny, y las anteriores como películas de personajes diversos que, de una forma u otra, guardan algún parecido con Bugs.

El Bugs Bunny de Avery: Fotograma y
hoja de modelos de "A Wild Hare".

La siguiente película del conejo, “Elmer’s Pet Rabbit” de 1941, será también la primera en que públicamente se le denomina como Bugs Bunny. El personaje continuará evolucionando en su diseño de una manera mucho mas lenta en las siguientes entregas, hasta que, para la película “Bugs Bunny Gets the Boid” de 1942, Robert McKimson dibuja la hoja de modelos del que sería la apariencia definitiva de Bugs Bunny.

Dos de los modelos "definitivos de Bugs Bunny
dibujados por Bob McKimson

OSCARTOONS 1934

2006-09-23T21:30:00.000+02:00

THE TORTOISE AND THE HARE, ganador

Nuevamente en esta edición el Oscar es para una pelicula Disney de la serie “Silly Symphonies”. “The Tortoise and The Hare” recrea la fabula clásica de Esopo de la liebre y la tortuga. Está realizada en un periodo de expansión y crecimiento en el estudio, en el que los animadores están aprendiendo película a película a animar todo tipo de movimientos. En “The Tortoise and The Hare” sorprende la extraordinaria representación de los movimientos veloces de la liebre en las secuencias animadas por Hamilton Luske.

El personaje de la liebre (Max Hare) es obra de Charlie Thornson, quien años después contribuiría de manera decisiva al diseño final de un conejo aun más famoso, Bugs Bunny. La película es la primera en usar el sonido real de unos frenos de automóvil para acompañar a la frenada de un personaje animado, recurso que más tarde se utilizaría hasta la saciedad en otros dibujos animados. Al año siguiente se estrenaría una secuela de la película con los mismos personajes, titulada “Toby Tortoise Returns”.

HOLIDAYLAND, nominado

La primera nominación a un Oscar para Mintz es también la primera película en color de su estudio y la primera de la serie “Color Rhapsodies”. “Holidayland”, está protagonizada por Scrappy, personaje que ya tenia su serie propia. En la película, el “padre tiempo” lleva a Scrappy, quien se niega a levantarse de la cama para ir a la escuela, a realizar un tour por todas las fechas de vacaciones del año.

JOLLY LITTLE ELVES, nominado

La nominación de Walter Lantz también es el primer corto en color del estudio (sin contar con el prologo de “The King of Jazz”) y el primero de la serie Cartune Classic. Con esta película Lantz se apuntaba a la moda de las películas musicales en color sin personaje fijo, al estilo de las “Silly Symphonies” de Disney. El argumento gira en torno a unos elfos mágicos que ayudan a un pobre zapatero.

EL ESTUDIO IWERKS

2006-09-23T18:38:00.000+02:00

Durante años, Ub Iwerks fue considerado, no solo como el mejor animador de la industria, sino como el “genio en la sombra” responsable del éxito de Walt Disney. El tiempo y los hechos demostraron en parte lo primero, y desmintieron rotundamente lo segundo.

La carrera de Iwerks se remonta a 1916 en Kansas City, donde trabajaba junto con Walt Disney en el Pesman-Rubin Comercial Art Studio. A partir de ese momento las trayectorias de ambos van unidas, tanto en el Kansas City Film Ad, como en la nueva empresa de Disney, Laugh-O-Gram Films, Inc. Cuando Disney se traslada a Hollywood y funda el Disney Brothers Studio en 1923, Iwerks es uno de sus primeros animadores.

Disney e Iwerks

Mucho mejor animador que Disney (y también, uno de los más rápidos del negocio), el papel de Iwerks es fundamental en el desarrollo del Estudio Disney tanto en la época muda (en las series “Alice Comedies” y “Oswald, the luky Rabbit”), como en las primeras experiencias sonoras. Los tres primeros cortos de Mickey Mouse y el primer “Silly Simphonies” (“The Skeleton Dance”), fueron prácticamente animados por Iwerks en solitario. Hoy día es generalmente admitido que el diseño original de Mickey Mouse fue obra también de Iwerks.

"Steamboat Willie" (1928)

"The Skeleton Dance" (1929)

Aquellos primeros años fueron tiempos duros en el Estudio Disney, y las exigencias de Walt de mayor calidad en la animación fueron poco a poco minando la paciencia y los nervios de Iwerks, quien, por otro lado, acostumbrado a animar casi en solitario, se negaba a adaptarse a los nuevos sistemas de producción y delegar parte de su trabajo en sus asistentes. La situación fue haciéndose cada más tensa hasta que, en 1930, Iwerks decide abandonar a Disney y aceptar una propuesta del distribuidor Pat Powers para crear su propio estudio.

Iwerks, con un pequeño equipo, y nuevamente realizando la animación casi en solitario, produce un episodio piloto de su nueva serie “Flip, the Frog”. Flip es la caricatura de una rana de con guantes y zapatos. Ni este primer episodio, “Fiddlesticks” (el único realizado en color) ni el segundo “Puddle Prank” convencen a Powers, quien presiona a Iwerks para rediseñar el personaje. El resultado es un personaje más agradable a la vista pero con un innegable parecido con Mickey Mouse.

El primer Flip, "Fiddlesticks" (1931)

Pat Power consigue vender la serie a MGM, en la que sería la primera incursión de este estudio en el campo de la animación. Iwerks aumenta entonces su plantilla con gente de la talla del músico Carl Stalling o los animadores Grin Natwick, Rudy Zamora, Ivr Spence, Al Eugster y Shamus Culhane. Sin embargo, los resultados no están a la altura de la creatividad de tan extraordinario equipo, y los treinta y siete cortos de Flip (1930-1933), aunque contienen individualmente escenas memorables, no alcanzan en conjunto demasiado éxito.

"The Milkman" (1932)

En 1933, Iwerks prepara dos nuevas series. La primera de ellas, que reemplaza a Flip, es Willie Whooper, y cuenta las andanzas de un muchacho con la habilidad de vivir extraordinarias aventuras con su imaginación. Aunque tanto la animación como las historias eran en general mejores que en los cortos de Flip, Willie comparte con este último la misma carencia de personalidad. La serie nuevamente obtiene un éxito bastante pobre, lo que decide a MGM a no seguir distribuyendo los cortos de Iwerks.

Willie Whooper en "Stratos Fear" (1933)

La otra serie creada en 1933 por Iwerks (ya entonces retirado del tablero de animación y en funciones únicamente de supervisión) es Comicolor. Basada en personajes y cuentos clásicos, esta serie esta filmada, como su nombre indica, en color mediante el procedimiento bicromático Cinecolor. En este periodo, Iwerks incrementa de nuevo su personal, contratando a extraordinarios profesionales tales como Otto Englander, Ben Hardaway, Bernie Wolf, Dick Bickenbach, Norm Blackburn, Steve Bosustow y Frank Tashlin. Desde la primera entrega, “Jack and the Beanstalk” (1934) hasta la ultima, “Happy Days”, distribuida en 1936, la serie es irregular, con algunos episodios brillantes y otros francamente pobres.

"Balloonland" (1935)

"Humpty Dumpty" (1935)

Al perder el contrato con MGM en 1934, la serie Comicolor seria distribuida por la compañía de Pat Powers, Celebrity Cartoons, pero a través de una compañía modesta no era posible igualar los ingresos generados mediante la distribución a través de un gran estudio como MGM. Forzado por los problemas económicos, el estudio Iwerks cierra sus puertas en 1936.

Hasta 1940 Iwerks trata de sobrevivir como productor independiente consiguiendo subcontratas de Leon Schlesinger (dos cortos de Porky en 1937), o de Charles Mintz (quince cortos para Columbia de 1938 a 1940). Incluso se atrevió con una pequeña serie por su cuenta, llamada “Gran’Pop Monkey”, de la que realizó tres películas que probablemente no llegaron siquiera a ser distribuidas.

Titulos de credito de "Porky and Gabby" (1937)

Finalmente, y a pesar de las diferencias que los habían separado diez años atrás, Iwerks vuelve a trabajar para Disney. Esta vez no como animador, sino inventando o perfeccionado nuevas tecnologías, especialmente en el campo de los efectos especiales opticos, lo que le valió el reconocimiento de la industria a través de dos premios Oscar. Iwerks permaneció en el Estudio Disney hasta su muerte en 1971.

Podeis ver varias peliculas de Ub Iwerks en Youtube.

TITULOS DE APERTURA DE “THE LADY EVE”

2006-09-20T10:26:00.000+02:00

Warner Bros no tuvo su propio departamento de animación hasta el año 1944. Anteriormente, las famosas series de dibujos animados “Looney Tunes” y “Merrie Melodies”, aunque distribuidas por Warner, fueron producidas por el estudio de Leon Schlesinger. Por ello, no todas las producciones animadas que salieron de ese estudio fueron producciones Warner. Schlensinger subcontrató trabajos para otros estudios en varias ocasiones.

Amid Amidi habla de algunas de ellas en Cartoonbrew. Así, una secuencia animada en una producción de Republic Pictures de 1939 titulada “She Married a Cop” (se puede ver aquí). O una aparición de Bugs Bunny en la película de George Pal “Jasper Goes Hunting” (aquí).

Amidi menciona también los títulos de crédito para la película Paramount de Preston Sturges “The Lady Eve” (1914) interpretada por Henry Fonda y Barbara Stanwick. La secuencia de apertura contiene la animación de una serpiente realizada por el estudio de Schlesinger.

Los títulos de “The Lady Eve” se pueden ver en Youtube.

BERNARD "BERNIE" WOLF (1911-2006)

2006-09-16T10:12:00.000+02:00

La semana pasada, a la edad de 95 años, se fue un gran veterano de la industria. Bernie Wolf es otro de esos enormes profesionales que, a lo largo de su carrera, pasearon su arte por casi todos los grandes estudios de dibujos animados de la edad dorada del cartoon, y que, como tantos otros, acabaron trabajando en comerciales y, finalmente, recogidos por la mano benefactora del estudio de Hanna-Barbera.

Bernie Wolf en el estudio Iwerks

Su larga carrera comenzó en Nueva York en 1924, como entintador en las películas mudas de Krazy Kat (la gata loca) en el estudio de Ben Harrison y Manny Gould. Poco después, y aun como entintador, comienza a trabajar en el estudio de Fleischer en la serie de Koko the Clown. Tal y como cuenta Shamus Culhane en su imprescindible libro “Talking Animals and Other People”, en 1930 una inesperada diáspora de personal hacia la costa oeste, convierte a Wolf, Al Eugster y al propio Culhane en animadores de la noche a la mañana. Los tres amigos se estrenarán en la película de la serie Talkartoon de Fleischer “Swing, You Sinners”. En Fleischer, Wolf trabajaría durante 1930 a 1933 en las películas de Betty Boop. Suya es la extraordinaria secuencia de la morsa fantasma bailando el tema de Cab Calloway en “Minnie The Moocher”.

La secuencia de la morsa fantasma de "Minnie The Moocher"

A partir de 1933 Bernie Wolf, junto con Eusgter y Culhane, se trasladan a Hollywood para trabajar en el estudio de Iwerks. Wolf fue emparejado con otro antiguo animador de Fleischer, Grim Natwick, para dirigir la serie Willie Whoper. También realizarían algunas películas de la serie Comicolor (habitualmente dirigidas por Eugster y Culhane), entre ellas “Jack and the Beanstalk”, “The Valiant Taylor” o “Jack Frost”.

Willie Whooper

En 1938 Wolf (como tambien Eugster, Natwick y Culhane), comienza a trabajar para Disney. Su primera película sería “Donald Nephews” y, mas adelante, otros cortometrajes antes de serle asignado, junto a Ward Kimball, el personaje Jiminy Cricket en “Pinocho”. Le seguiría la animación de los centauros y faunos diseñados por Fred Moore para la secuencia de la Sinfonía Pastoral de “Fantasia”. En 1941, trabaja en “Dumbo” donde, entre otras, sería el encargado de realizar la secuencia en que los payasos brindan en su tienda por el éxito de su numero con Dumbo. Mostrados solo mediante sus siluetas, este fragmento refleja un increíble dominio de la puesta en escena y la caricatura, donde cada pose individual es enérgica, clara y reconocible.

La secuencia de los payasos brindando en "Dumbo"

En 1941, tras la huelga en el estudio, abandona Disney. Según Mark Kausler, Wolf trabajaría posteriormente haciendo Storyboards y Layout para Tex Avery en MGM. Estuvo destinado en la First Motion Picture Unit, unidad del ejército encargada del material audiovisual de entrenamiento y propaganda en la que trabajaron casi todos los grandes de la animación durante la guerra. Y después, colaboró de forma independiente para Rudy Ising, trabajó para el creciente mercado publicitario en televisión y, según cuenta Mark Evanier, incluso volvió a trabajar para Disney diseñando atracciones para Disneyland. En los setenta crea su propia compañía, Animedia, que, hasta su cierre, realiza innumerables trabajos y servicios comerciales y publicitarios, solo algunos relacionados con la animación. Vuelve a la animación en los ochenta como productor y editor en Hanna-Barbera para series como “Flinstones Kid” o “Scooby-Doo”. En los noventa realiza funciones de dirección para la serie “Gardfield and Friends” de Films Roman.

Cabecera para "Gardfield and Friends"de Films Roman

El material para desarrollar esta biografía se extrajo originalmente de reseñas de Mark Kausler y Mark Evanier publicadas en Cartoonbrew. La fotografía de Bernie Wolf es de la colección de Mark Mayerson.

OSCARTOONS 1932-33

2006-09-04T19:06:00.000+02:00

THE THREE LITTLE PIGS - Ganador

Si en el año anterior Disney había conseguido el Oscar gracias a la novedad del uso del color en su gama completa, ahora la innovación vendría desde un punto de vista mucho mas sutil pero sustancialmente más importante. “Los tres cerditos” será el primer dibujo animado en desarrollar personalidades bien definidas y diferenciadas en cada uno de sus personajes principales.

Hasta ahora la diferencia entre unos personajes y otros venia definida básicamente por su apariencia, lo que le confería un tipo de personalidad estándar sugerida por su adscripción a un determinado estereotipo. El héroe sería así un tipo pequeño y vivaz enfrentado al malo, grande y pesado. Los personajes de “Los tres cerditos” definen su carácter por medio del movimiento y la acción, es decir, por primera vez en la historia del dibujo animado unos personajes “actúan”.

Este cortometraje supone, además, la confirmación del sistema de asignación a cada animador de un personaje concreto en base a las habilidades especificas de ese animador. Así, en “Los tres cerditos” Norman Ferguson, cuyo dominio de la pantomima lo convirtió un especialista en un personaje mudo como Pluto, se encargó de animar al lobo feroz. Dick Lundy, experto en escenas de danza, animó el baile de los cerditos. Estos últimos fueron animados por dos jóvenes, Fred Moore y Art Babbit, con una probada capacidad para dotar a sus personajes de una acusada personalidad.

La dirección de Burt Gillett, los maravillosos diseños de personajes de Albert Hurter y la música de Frank Churchill, con letra de Ted Sears y Pinto Colvig, contribuyeron asimismo a convertir a “los tres cerditos” en una película diferente y distinta a todo lo visto con anterioridad.

Sin embargo, su estreno en mayo de 1933 no causo en principio un gran impacto. Sería lentamente que la personalidad de sus personajes calaría en la audiencia y la convertirían en una de las películas animadas más populares de todos los tiempos. A ello contribuyó en muy gran medida el mensaje optimista de su canción “¿Quién teme al lobo feroz”, convertida en una especie de himno de la época de la depresión.

BUILDING A BUILDING - Nominado

Dirigida por Dave Hand, la segunda nominación de Disney es una aventura clásica de Mickey Mouse. En esta ocasión Mickey es el operario de una escavadora en la construcción de un edificio, Minnie una vendedora de cajas de almuerzo y Petleg Pete, el capataz de la obra. El villano hace de las suyas, el héroe salva a la dama, persecuciones y carreras sobre andamios y vigas a gran altura y un final feliz.

THE MERRY OLD SOUL -Nominado

Walter Lantz consiguió diez nominaciones a los Oscar a lo largo de su carrera, aunque no ganó nunca. En esta ocasión se trata de un corto de Oswald, the Lucky Rabbit, que narra la vieja y clásica leyenda de “Old King Cole”. La película contiene numerosas apariciones de actores de Hollywood de la época.

ED BENEDICT (1912-2006), DESCANSE EN PAZ

2006-08-31T21:56:00.000+02:00

El pasado lunes 28 de agosto, a la edad de 94 años, falleció Ed Benedict, uno de los poquísimos maestros de la edad dorada del cartoon que aun vivia.

Benedict empezó como animador en el estudio Disney en 1930, y a lo largo de su larga carrera trabajó para Walter Lantz, Mintz, MGM, Hanna Barbera, numerosos estudios de animación comercial para TV e, incluso, durante algún tiempo, en su propio estudio que dirigió junto a Jerry Brewer.

Dibujo de Layout para "Dixieland Droopy", MGG

Aunque sus comienzos fueron como animador, su actividad más reconocida fue como diseñador y dibujante de layouts para Tex Avery y Mike Lah en MGM y, de manera muy especial, para Hanna-Barbera. Aunque personalmente fue un trabajo del que no se sintió nunca muy orgulloso, sus diseños de personajes para este estudio en los cincuenta establecieron el estilo de las series animadas clasicas de Hanna-Barbera. Suyos son los Picapiedra, Pixie y Dixie, Huckleberry Hound, el oso Yogi y tantos otros.

Hoja de modelo preliminar de Los Picapiedra (Hanna-Barbera)

Podeis ver diversas muestras del arte de Benedict, especialmente su mas desconocida obra en el campo de la animación comercial, en Cartoon Brew y Cartoon Modern.

Diversos diseños comerciales de los años 50

PERSONAJES OLVIDADOS: TOBY THE PUP

2006-08-29T20:47:00.000+02:00

Otro oscuro personaje rescatado del olvido. Toby the Pup, fue un personaje creado por Sid Marcus, Dick Huemer y Art Davis en 1930 para el estudio de Charles B. Mintz

En 1930 el estudio de Mintz, radicado originalmente Nueva York, se traslada a California y comienza a distribuir su serie Krazy Kat a través de Columbia. No contento con ello, Mintz trata de expandir sus operaciones vendiendo una serie diferente a RKO. Para ello, contrata a dos de los mejores animadores de Fleischer, Dick Huemer y Sid Marcus, quienes junto con Art Davis diseñan un personaje a quien bautizan como Toby the Pup.

Los animadores Jack Carr, Sid Marcus y Dick Huemer con Toby

El propio Huemer, en una entrevista con Joe Adamson, describe a Toby como “Un personaje indescriptible. Una pequeña bestia negra que andaba sobre sus patas traseras y con una gran mata de pelo negro sobre la cabeza. Una especie de cosa rara parecida a un perro con largas orejas”. En cualquier caso, se siente la influencia Fleischer, de donde provenían Huemer y Marcus, pues el personaje recuerda bastante a Bimbo, de la serie Betty Boop.

"Toby in the Museum"

A pesar de no aportar nada original, la serie tiene un moderado éxito. Sin embargo, tras doce episodios producidos entre 1930 y 1931, RKO firma un contrato de distribución con el estudio Van Beuren y Toby desaparece de la pantalla y de la memoria.

"Toby, The Milkman"

La mayoría de las películas de Toby (excepto un fragmento de “Toby in the Museum”) se creían irremediablemente perdidas hasta hace poco. Según cuenta Jerry Beck en Cartoon Research, cuatro películas más han sido descubiertas en Europa recientemente (“Circus Time”, “The Milkman”, “Down South” y “Halloween”). Todas pertenecen al catálogo de Lobster Films y se emitieron en el programa Cartoon Factory del canal francés Arte.

"The Milkman" y "Down South"

Los títulos de Toby son los siguientes:

1930: The Museum, The Fiddler, The Miner, The Showman, The Bug House. 1931: Circus Time, The Milkman, Brown Derby, Down South, Halloween, Aces Up, The Bull Thrower.

“Toby in the Museum” y “Halloween” se pueden ver en Youtube aqui y aqui.

OSCARTOONS 1931-32

2006-07-24T21:16:00.000+02:00

FLOWERS AND TREES – Ganador

El primero de los Oscar al mejor cortometraje animado en el año en que se creó esta categoría fue para “Flowers and Trees” de Walt Disney. Y para Disney serian los siguientes Oscar hasta 1940.

“Flowers and Trees” fue una arriesgada apuesta del Estudio Disney, en un momento en que los cortos de Mickey Mouse eclipsaban la popularidad de la otra serie en producción, “Silly Symphonies”. Disney necesitaba algo que atrajera el interés de los propietarios de cines hacia estos cortos, y ese algo fue el uso del color.

Aunque “Flowers and Trees” no fue el primer cartoon en color (ver aquí y aquí), si fue el primero en usar el nuevo sistema tricromático desarrollado por Technicolor. Este sistema, aun en pruebas, necesitaba usar tres cámaras, cada una con un filtro diferente, para la filmación. Esto hacia su uso en películas de acción real caro, engorroso y problemático. Sin embargo, para la filmación de dibujos animados el uso de la tricromía no solo era perfectamente viable, sino que permitía incluso prescindir de las tres cámaras, usando solo una en filmación sucesiva con filtros rojo, verde y azul.

La decisión de Disney supuso para el estudio afrontar dos problemas importantes. El primero fue su elevado coste. Roy Disney supo, sin embargo, sacar partido de ello forzando a Technicolor a la firma de un contrato de exclusividad de dos años sobre el procedimiento de tres colores. El resto de los estudios se vieron obligados a usar el procedimiento Technicolor de dos colores o el Cinecolor hasta 1933. El segundo problema, que ya habían tenido anteriores producciones en color, fue la inexistencia de colores adecuados que se adhirieran a los acetatos. El estudio Disney resolvió el inconveniente desarrollando su propia gama de pinturas especiales.

“Flowers and Trees”, una musical historia de amor entre dos árboles, estaba en plena producción cuando se tomó la decisión de hacerla en color. Esto obligo a desechar el material ya realizado en blanco y negro y volver a rehacerlo en color de nuevo. A partir de este momento, todos los cortos de la serie “Silly Symphonies” se producirían en color; los cortos de Mickey Mouse seguirían haciéndose en blanco y negro hasta “The Band Concert” en 1935.

El estreno de “Flowers and Trees” en el Teatro de Chino de Sid Graummann (acompañando al largometraje de Clark Gable “Strange Interlude”) supuso un éxito inmediato y consiguió para Disney el primero de sus muchos Oscar al mejor cortometraje animado.

MICKEY’S ORPHAN - Nominado

Una segunda película de Disney sería nominada en la edición 1931-32 de los Oscar al mejor corto animado. Se trata de “Mickey’s Orphan”, un cortometraje en el que una camada de gatitos, abandonados en una cesta a la puerta de la casa, complican la vida de Mickey y Minnie en el día de navidad.

IT’S GOT ME AGAIN – Nominado

El tercer nominado es “It’s Got Me Again”, un cortometraje de Harman-Ising para la serie Merrie Melodies de Warner Bros. En la película, unos ratones organizan una fiesta en una tienda de música y son sorprendidos por un gato, a quien, tras numerosas peripecias logran vencer.

PERSONAJES OLVIDADOS: CUBBY BEAR

2006-07-22T12:22:00.000+02:00

Cubby Bear fue otro de los muchos personajes de corta vida que poblaron la pantalla en la década de los treinta. Creado por el animador Mannie Davis para el estudio de Van Beuren en 1933, Cubby y su compañera Cuddles, guardan, como la inmensa mayoría de los personajes de la época, un notable parecido con Mickey Mouse y, aunque jamas alcanzaron la gloria y éxito de éste, sus aventuras son, en su propio estilo, entretenidas e imaginativas.

El estudio de Amadee Van Beuren estaba en Nueva York, muy cerca del estudio de Fleischer. La animación realizada en ambas empresas era muy similar, aunque Fleischer tenía, sin lugar a dudas, mejores animadores. Es por ello que las películas de Van Beuren eran de mucha menor calidad artística. Sus empleados se habían formado en su mayoría durante la época muda y su adaptación al sonoro no fue ni fácil ni rápida; sus personajes parecían flotar al ritmo de la música, lo que daba a sus películas una apariencia de irrealidad que las hace únicas e muy interesantes.

Cubby es un clásico “tipo con suerte” que puede enfrentar cualquier reto que se le presente por delante. A lo largo de la serie su apariencia cambia en casi cada película. Su humor, al estilo del habitual en los estudios de Nueva York, es surrealista y estrafalario. Su primer corto “Opening Night”, es un claro ejemplo de este tipo de comedia, donde Cubby se cuela en la inauguración del gigantesco y completamente automático Teatro Roxy.

Vistos un tras otro, los cortos de la serie van mejorando paulatinamente. En 1934, Winston Sharples se hace cargo de la dirección musical del estudio y las películas de Cubby adquieren una mayor riqueza. La calidad de la animación también mejora con la incorporación al estudio de gente joven, como Frank Tashlin o Joe Barbera. Se realizan cortos ambiciosos, como “Finddlin’ Fun”, que hace una parodia de la carrera de cuadrigas de la versión de 1928 de “Ben Hur”. También el diseño de los personajes se hace más clásico, menos compacto y con más personalidad. Los fondos, en películas como “Mild Cargo”, experimentan una considerable mejora.

Resulta curioso resaltar que dos de las entradas de la serie fueron producidas en California por Harman e Ising, quienes recientemente habían abandonado el estudio de Schlesinger y Warner. Buscando trabajo, fueron contratados por Van Beuren para realizar “Cubby’s World Flight” y “The Gay Gaucho”, cortos cuya animación, por este motivo, se destaca del resto.

La serie terminó un año después tras veinte cortos, cuando el estudio decide contratar al director Burt Gillett, ex Disney responsable de “Los Tres Cerditos”. Gillett crea nuevas series en color para Van Beuren, basadas en personajes ya conocidos como “Toonerville Trolley” de Fontaine Fox y el gato Felix. El personaje de Cubby queda olvidado hasta que en 1940 es rescatado (y rebautizado como Brownie Bear) junto con el resto de las series de Van Beuren por Official Films para el mercado de 16 y 8 mm.

Los cortos de Cubby Bear han sido objeto de una extraordinaria y cuidadísima recopilación en DVD realizada por la empresa Thunderbean Animation (la mayoría de la información recogida aquí procede del propio DVD). En él, además de las 20 películas de la serie se recoge la única copia existente de “Michievous Cat”, realizada Harman e Ising, quienes supuestamente retuvieron la película por desavenencias con Van Beuren.

Los cortos de Cubby son los siguientes:

1933: Opening Night, Love’s Labor Won!, The Lost Mail, Bubbles and Troubles, Barking Dogs, Indian Whoopie, Fresh Ham, The Nut Factory, Cubby’s World Flight, Cubby’s Picnic, The Gay Gaucho, Galloping Fanny, Croon Crazy. 1934: Sinister Stuff, Goode Night, How’s Crops?, Cubby’s Stratosphere Flight, Mild Cargo, Fiddlin’ Fun, Mischievous Mice (no distribuida).

"Croon Crazy" se puede ver en Youtube.

MAS PRIMEROS CARTOONS EN COLOR

2006-07-12T12:05:00.000+02:00

Anteriores a "The King of Jazz", pero producidos en la época muda, hubo otros cartoons realizados en color. El honor de ser el primero corresponde a la película “The Debut of Thomas Cat” realizada por Earl Hurd para el estudio Bray en 1920 y filmada mediante el proceso Brewster color.

John Randolph Bray

De hecho la animación filmada en color durante los veinte es más habitual de lo que previamente se creía. Otro ejemplo es la serie “Ebenezer Ebony” producida por The Sering D. Wilson and Co. Studio en 1925, filmada mediante el proceso Kelly color. Sin embargo, a causa de sus limitaciones tanto técnicas como económicas estos intentos de animación en color tuvieron una corta vida. Bray, por ejemplo, no volvió a realizar otra película en color.

El tema es polémico, pues hay quien cree encontrar precedentes más tempranos. Dennis Gifford en su libro “British Animated Films” reclama el título de primer dibujo animado en color a una película, combinación de animación de maquetas y acción real, llamada “Gollywod Land” de 1912, dirigida por F. Martin Thornton y realizada en Kinemacolor por The Natural Colour Kinematograph Company.

“THE KING OF JAZZ”. EL PRIMER CARTOON SONORO EN COLOR

2006-07-02T18:40:00.000+02:00

A finales de 1929, Universal Pictures decidió realizar la más fantástica, costosa y extravagante de cuantas películas musicales se hubieran hecho hasta la fecha. La película “The King of Jazz” ofrecía al espectador dos horas y media de música de las mejores orquestas de Hollywood, la apabullante personalidad del músico Paul Whiteman, la fascinante novedad del color y todos los efectos especiales y trucajes ópticos que el estudio pudo meter en tan largísimo metraje.

Además de estas novedades la película, estrenada en abril de 1930, incluía un prologo animado. Universal preguntó a Walter Lantz si podía meter en su esquema de trabajo con los cortos de Oswald un encargo adicional, y este accedió de inmediato. Walt realizo un dibujo animado de unos tres minutos de duración, protagonizado por Paul Whiteman en el papel de un desafortunado cazador en África. Contiene asimismo un brevísimo cameo de Oswald.

La secuencia se convirtió en el primer dibujo animado sonoro realizado en color. Bien que se trataba un color de espectro muy limitado, filmado mediante el procedimiento Technicolor nº 3, entonces una novedad, que empleaba tan solo dos colores (verde y rojo). El uso del sistema tricromático en un dibujo animado no se vería hasta 1932, año del estreno de “Flowers and Trees” de Disney.

En aquellos días, el proceso de tres colores no podía ser aplicado a las películas de acción real, pero si era adecuado para las películas de dibujos. Disney tomo ventaja sobre el resto de los estudios al firmar con Technicolor un acuerdo para el uso exclusivo del sistema de tricromía durante dos años, lo que forzó a la competencia a tener que usar el Technicolor bicromático o el más barato sistema Cinecolor.

Según cuenta Joe Adamson en su libro “The Walter Lantz Story” el uso del color supuso nuevos problemas para éste. En concreto, no existían pinturas adecuadas para adherirse a la superficie de los acetatos. El empleo de colores estándar “Grumbacher” al óleo significó un continuo dolor de cabeza, pues se empezaban a cuartear antes incluso de poder ser filmados. Por otro lado, debía enfrentarse al secretismo del técnico de Technicolor, que llegaba al extremo de traer la cámara cada mañana al estudio y retirarla cada noche.

Walter Lantz había ideado un sistema para que Whiteman grabase la música al ritmo exacto y siempre idéntico necesario para un dibujo animado sonoro. Tomó una película sin exponer y la perforó cada doce fotogramas, de modo que, al ser proyectada, actuase como un metrónomo. Sin embargo, Whiteman se negó rotundamente a seguir el ritmo marcado por nadie. Cuando llegó el momento de grabar la música, le pregunto a Lantz que compás quería. Este le contesto que 2/12, es decir, medio segundo. Y sin más, Whiteman comenzó a dirigir su orquesta a un compás exacto de medio segundo durante toda la pieza.

Paul Whiteman aparece también en un corto de Oswald del mismo año titulado “My Pal Paul”, realizado para promocionar “The King of Jazz” y donde se incluían varias canciones de la película.

WalterLantz quería seguir realizando sus películas en Technicolor, pero su coste de 31.5 dólares por minuto de copia era más de lo que Laemmle estaba dispuesto a pagar por la novedad. Walt no volvería a emplear el color hasta la serie “Cartune Classics”, que comenzó en octubre de 1934 con el corto “Jolly Little Elves”.

Podeis ver el prologo animado de "The King of Jazz" en Youtube.

NOTA: No todos consideran “The King of Jazz” el primer dibujo animado sonoro en color, habiendo quien opina que ese título corresponde a “Goofy Goat Antics” de Ted Eschbaugh, a pesar de que la mayoría de las fuentes datan su estreno en 1931.

VAN BEUREN Y EL REY

2006-06-27T15:15:00.000+02:00

Hacia 1933, era evidente para Van Beuren que los personajes de Tom y Jerry (su historia aquí) no estaban teniendo el éxito previsto. Desesperado por encontrar nuevos protagonistas para sus series animadas convocó una reunión con el personal del estudio y les animó a aportar nuevas ideas y nuevos personajes.

De aquella reunión salieron Cubby Bear, otro clon de Mickey Mouse en forma de oso diseñado por Mannie Davis, y la propuesta de comprar los derechos de The Littke King, protagonista de las tiras comicas creado por Otto Soglow.

Otto Soglow, comenzó a publicar las tiras de The Little King hacia 1931. Con un grafismo estilizado, actuando en pura pantomima y sin emitir una sola palabra, el pequeño rey era dueño y señor de un reino imaginario cuyo día a día compartía con sus súbditos de forma democrática y con infantil ingenuidad.

Trasladar el sutil humor y particular estilo de The Little King a la pantalla no fue empresa fácil para el estudio de Van Beuren. Aun así sus películas consiguen de forma sorprendente mantener tanto el diseño de Soglow como su particular sentido del humor y están animadas mejor que lo usual en el estudio.

Se realizaron diez películas del personaje entre 1933 y 1934. Como otras series de Van Beuren no consiguió un éxito extraordinario y RKO las distribuyo como material de relleno y sin apenas publicidad. Al propio Soglow no le gustaban mucho los cortos.

Los episodios fueron:
1933: The Fatal Note, Marching Along, On the Pan, Pals. 1934: Jest of Honor, Jolly Good Fellows, Sultan pepper, A Royal Good Time, Art for Art’s Sake, Cactus King.

En 1936 el personaje reaparece, rescatado por Fleischer en un cameo con Betty Boop, hablando y con resultados penosos.

"JITTERBUG FOLLIES" (1939). MILT GROSS EN MGM

2006-06-25T11:06:00.000+02:00

La segunda mitad de los treinta fue una época complicada y de cambios en los dibujos animados de MGM. Tras el fracaso que supuso la distribución de los cortos de Iwerks, Metro confió en dos veteranos (ex Disney, ex Warner), Hugh Harman y Rudolf Ising, para producir una serie en color y de alto presupuesto bajo el nombre de “Happy Harmonies”. El inmediato éxito de la serie, su extraordinaria calidad visual y su elaborada animación de personajes, no convencieron sin embargo a MGM, que, queriendo poner freno al alto coste de la producción, decide abrir su propio estudio, poniendo al frente del mismo a Fred Quimby, un ejecutivo sin experiencia alguna en el campo de la animación.

MGM adquiere los derechos para llevar a la pantalla la tira cómica The Captain and the Kids, y durante los años 1937 y 38 realiza quince cortos de esta serie (algunos dirigidos por Friz Freleng) que, a pesar de su alto presupuesto y una animación excelente, resultan un completo fracaso.

En 1939 Quimby contrata al dibujante de tiras cómicas Milt Gross, autor de personajes de éxito como “Nize Babies”, “Count Screwloose” y “That’s my Pop”. Gross, a quien no convence la serie The Captain and the Kids, prepara un storyboard para una película sobre sus propios personajes Count Screwloose y J.R, the Wonder Dog. Estos personajes no acaban de gustar a algunos animadores. Bill Litllejohn lo cuenta asi:

“La mayoría decían que no podían ser animados, carecían de estructura, sus cabezas no podían girarse y los codos estaban mal colocados. Harto de tener que escuchar esto, me quede una noche trabajando y anime cinco segundos de J.R. the Wonder Dog. Milt los tomó, los filmó y probamos que si era posible animarlos. Se realizaron tan solo dos películas con estos personajes: “Jitterbug Follies” y “Wanted: No Master”. Fueron las películas más divertidas que había producido nunca el estudio. Pero cuando Quimby las vio dijo que jamás se distribuirían, porque violaban la dignidad de MGM”.

A pesar de las reticencias de Quimby, los dos cortos se estrenaron. Ambos son, tal como puntualizaba Littlejohn, extremadamente divertidos, de buen ritmo, excelente animación y reflejan con precisión el humor extravagante y alocado de Mitl Gross. A pesar de ello, no se realizaron más que estas dos películas. Quimby reemplazó a Gross por otro dibujante de tiras cómicas, Harry Hershfield, con tan poco éxito que se vio obligado a contratar de nuevo a Harman e Ising.

“Jitterbug Follies” se puede ver en Youtube aquí.

GERALD McBOING BOING: El chico de los mil sonidos

2006-06-24T13:32:00.000+02:00

La historia del pequeño Gerald McCloy, un niño que no podía hablar sino emitir sonidos, es la historia de uno de los éxitos más extraordinarios de la animación de los cincuenta. Éxito no solo por su excelente rendimiento en taquilla, sino porque supuso la confirmación de un estudio, UPA, y un estilo de la animación que, en mayor o menor medida, influenció el trabajo del resto de los estudios en los años siguientes.

“Gerald McBoing Boing” (UPA, 1951), violó todas las formulas al uso en la industria y transformó el modo de presentar un tema en la pantalla, primando el grafismo estilizado sobre el realismo al uso en Disney y los elementos de la historia sobre el simple gag humorístico.

Gerald McBoing Boing (UPA,1951)

El origen de este corto es igualmente inusual. El guión esta basado en la narración de un poema escrito por Ted “Dr. Seuss” Geisel y grabado en disco por Hal Perry. La grabación ya era de por si extraña, porque contenía casi exclusivamente voces y efectos de sonido. Geisel y Steve Bosustow, productor de UPA, acordaron producir un corto animado sobre el poema, encargando la dirección del mismo a Bobe Cannon.

Dibujos originales de Jules Engel

Cannon realizara un trabajo imaginativo y único, en un estilo simple y lineal sobre fondos completamente planos, pero muy eficaces. No hay profundidad ni detalles en el diseño, que sugieren más que muestran; la historia es la protagonista absoluta del dibujo animado. Bill Hurtz, diseñador del corto, lo cuenta así:

“Trabajamos con un concepto en el cual el estilo provenía directamente de la historia. En Gerald McBoing Boing tratamos de conseguir la absoluta simplicidad. ¿Con cuantas pocas líneas podemos contar la historia?¿Como de elementales podemos llegar a ser?. Desarrollamos un patrón de acción que fuera continuo. Cuando un personaje en la calle se vuelve y regresa a casa, el siguiente corte lo muestra subiendo las escaleras, y el siguiente dentro de su habitación. También diseñamos una película sin paredes. No había líneas que delimitaran las paredes y el techo. Los elementos de mobiliario se posicionan únicamente en relación con la acción”.

La película esta maravillosamente animada por Bill Melendez, Rudy Larriva, Pat Matthews, Willis Pyle y Frank Smith. Los diseñadores del color, Jules Engels y Herb Klynn, hacen un excelente uso del mismo. Los colores planos predominan. Se emplean de forma psicológica, oscureciéndose a medida que el rechazo hacia Gerald se hace más evidente. A menudo, los personajes no están coloreados, siendo visible el fondo a través de ellos.

Steve Bosustow recibe el Oscar de 1951
al mejor corto animado

La película gano el Oscar de 1951 al mejor corto animado, en competencia con un Tom y Jerry de MGM y una película de Magoo del propio estudio UPA. El éxito del Gerald McBoing Boing propició la producción de tres secuelas: “Gerald McBoing Boing Symphony” (1953), “How Now McBoing Boing” (1954) y “Gerald McBoing Boing in the Planet Moo” (1955), esta última rodada en Cinemascope. El diseño continua siendo, no solo excelente, sino incluso superior (sobre todo las dos primeras diseñadas por T. Hee), pero las historias no están en absoluto a la altura de las primeras.

"Gerald McBoing Boing in The Planet Moo" (UPA 1955)

Las películas de Gerald McBoing, incluyendo un cameo en una película de Magoo, se pueden ver aquí.

CARTOONS EN DVD 2 - WARNER BROS.

2006-06-18T18:45:00.000+02:00

Los DVDs distribuidos en España con cortos de Warner Bros. corresponden, como era de esperar a las series “Looney Tunes” y “Merrie Melodies”. Se han puesto a la venta en dos formatos diferentes: 10 dvds individuales y dos packs, bajo los nombres "Colección Dorada 1 y 2", que contienen los volúmenes 1 a 4 y 7 a 10 respectivamente. La imagen, el sonido y los extras son de extraordinaria calidad. Todo un lujo de imprescindible compra que no debe faltar en vuestra videoteca.

LOONEY TUNES 1: LO MEJOR DE BUGS BUNNY. VOLUMEN 1

Baseball Bugs (1946), Rabbit Seasoning (1952), Long-Haired Hare (1949), High Diving Hare (1949), Bully for Bugs (1953), What’s Up Doc? (1950), Rabbit’s Kin (1952), Water, Water Every Hare (1952), Big House Bunny (1950), Big Top Bunny (1951), My Bunny Lies over the Sea (1948), Wabbit Twouble (1941), Ballot Box Bunny (1951), Rabbit of Seville (1950)

EXTRAS: Detrás de los personajes, Sólo música, “Un saludo de Chuck Jones”, Comentarios, Bugs Bunny en las películas, El show de Bugs Bunny, Galería de fotos, El 51 ½ aniversario de Bugs

LOONEY TUNES 2: LO MEJOR DE DAFFY Y PORKY

Duck Amuck (1953), Dough for thee Do-Do (1949), Drip-Along Daffy (1951), Scaredy Cat (1948), The Ducksters (1950), The Scarlet Pumpernickel (1950), Yankee Doodle Daffy (1943), Porky Chops (1949), Wearing of the Grin (1951), Deduce, You Say (1956), Boobs in the Woods (1950), Golden Yeggs (1950), Rabbit Fire (1951), Duck Dodgers in the 24 ½ Century (1953)

EXTRAS: Detrás de los personajes, Sólo música, Comentarios, Galería de fotos

LOONEY TUNES 3: ESTRELLAS. VOLUMEN 1

Elmer’s Candid Camera (1940), Bugs Bunny and the Three Bears (1944), Fast and Furry-ous (1949), Hair-Raising Hare (1946), The Awful Orphan (1949), Haredevil Hare (1948), For Scent-imental Reasons (1949), Frigid Hare (1949), The Hypo-Chondri-Cat (1950), Baton Bunny (1959), Feed the Kitty (1952), Don’t Give Up the Sheep (1953), Bugs Bunny Gets the Boid (1942), Tortoise Wins by a Hare (1943)

EXTRAS: Detrás de los personajes, Dibujos animados de Warner Bros., Solo música, Comentarios, Galería de fotos

LOONEY TUNES 4: ESTRELLAS. VOLUMEN 2

Canary Row (1950), Bunker Hill Bunny (1950), Kit for Cat (1948), Putty Tat Trouble (1951), Bugs and Thugs (1951), Canned Feud (1951), Lumber Jerks (1955), Speedy Gonzales (1955), Tweety’s S.O.S. (1951), The Foghorn Leghorn (1948), Daffy Duck Hunt (1949), Early to Bet (1951), A Broken Leghorn (1959), Devil May Hare (1954)

EXTRAS: Detrás de los personajes, Sólo música, Comentarios, Del recuerdo, Galerías de fotos

LOONEY TUNES 5 Y 6

Bajo los títulos de “Fenómenos misteriosos” y “Aventuras a la carrera” se distribuyen estos penosos cortos realizados para la Web de Looney Tunes. Pobres historias y pobre animación. Personalmente desaconsejo su compra.

LOONEY TUNES 7: LO MEJOR DE BUGS BUNNY. VOLUMEN 2

The Big Snooze (1946), Broomstick Bunny (1956), Bugs Bunny Rides Again (1948), Bunny Hugged (1951), French Rabbit, Gorilla My Dreams (1948), The Hare-Brained Hypnotist (1942), Hare Conditioned (1945), The Heckling Hare (1941), Little Red Riding Rabbit (1944), Tortoise Beats Hare (1941), Rabbit Transit (1947), Slick Hare (1947), Baby Buggy Bunny (1954), Hyde and Hare (1955)

EXTRAS: Programas de audio, 50 aniversario de Bugs Bunny (1ª Parte), El show de Bugs Bunny, Dibujando a Bugs Bunny y Josemite Sam, "Detrás de las melodías": una conversación con Tex Avery

LOONEY TUNES 8: LO MEJOR DE CORRECAMINOS. VOLUMEN 1

Beep Beep (1952), Going Going Gosh (1952), Zipping Along (1953), Stop, Look and Hasten (1954), Ready Set Zoom (1955), Guided Muscle (1955), Gee Whiz-z-z-z (1956), There They Go-Go-Go (1956), Scarambled Aches (1957), Zoom and Bored (1957), Whoa Be Gone, Cheese Chasers (1951), The Dover Boys (1942), Mouse Wreckers (1948), Bear for Punishment (1951)

EXTRAS: Comentarios, Música y efectos, Detrás de las melodías, Las aventuras de Correcaminos, El show de Bugs Bunny y Correcaminos, Dibujando a Correcaminos

LOONEY TUNES 9: LO MEJOR DE SILVESTRE Y PIOLIN. VOLUMEN 1

Bad Ol' Putty Tat (1949), All Abir-r-r-d, Room and Bird (1952), Tweet Tweet Tweety (1951), Gift Wrapped (1952), Ain't She Tweet (1952), A Bird in a Guilty Cage (1952), Snow Business (1953), A Pizza Tweety Pie (1958), Kitty Kornered (1946), Baby Bottleneck (1946), Old Glory (1939), The Great Piggy Bank Robbery (1946), Duck Soup to Nuts (1944), Porky in Wackyland (1938)

EXTRAS: Comentarios, Programas de audio alternativos, Bugs Bunny 50º Aniversario (2ª Parte), El Pato Lucas para presidente, Detrás de las melodías, Secuencias de aperturas, Dibujando a Silvestre y Piolín

LOONEY TUNES 10: ESTRELLAS. VOLUMEN 3

Back Alley Oproar (1948), Book Revue (1946), Corny Concerto (1943), Have You Got Any Castles? (1938),Hollywood Steps Out (1941), I Love to Singa (1936), Katnip Kollege (1938), The Hep Cat (1942), Three Little Boops (1957), One Froggy Evening (1955), Rhapsody Rabbit (1946), Show Biz Bugs (1957), Stage Door Cartoon (1944), What's Opera Doc? (1957), You Ought To Be in Pictures (1940)

EXTRAS: Comentarios, Programas de audio alternativos, Programas sólo voces, Detrás de las melodías, Desde las bóvedas, Dibujando a Michigan J. Frog.

CARACTERISTICAS TECNICAS:

Region 2 – 1.33:1 4/3 – Idiomas en Dolby digital Mono: Español, Inglés. Alemán, Portugués y Hebreo – Subtítulos en Inglés, Alemán, Portugués y Hebreo

PROXIMOS LANZAMIENTOS:

El próximo 27 de junio saldrán a la venta dos nuevos packs. El primero será la tercera entrega de la "Colección Dorada", compuesta de tres dvds: Bugs Bunny Volumen 3, Porky Volumen 1 y Estrellas volumen 4. El segundo, bajo el titulo “Grandes Películas”, se compone de dos dvds que contienen dos de los largometrajes recopilatorios realizados a finales de los 70 y principios de los 80: “The Bugs Bunny/Road Runner Movie” (1979) y “Bugs Bunny 3rd Movie. 1001 Rabbit Tales” (1982). Más detalles próximamente.

TOM Y JERRY ANTES DE TOM Y JERRY

2006-06-17T18:23:00.000+02:00

Los primeros personajes en llamarse Tom y Jerry no fueron el gato y el ratón de Hanna Barbera, sino una extraña pareja de tipos creados en el estudio Van Beuren de Nueva York.

En 1928 Amadee J. Van Beuren se convirtió en socio de Paul Terry al comprar a Keith-Albee su participación en el estudio Aesop’s Fables. Diferencias entre los dos socios, entre ellas la resistencia de Terry a añadir sonido a sus películas, condujeron a la ruptura de ambos. En 1929, con la mayoría de los empleados de Aesop’s Fables, Van Beuren crea su propio estudio.

Van Beuren nombra director de animación a John Foster, quien sigue sin variaciones aparentes el mismo formato de películas que había venido realizando para la serie Aesop’s Fables. Su patente falta de originalidad le lleva incluso a tener problemas con Paul Terry por el uso del granjero Al Falfa y con el propio Walt Disney por plagio de Mickey Mouse (la historia completa aquí). Serán los veteranos animadores George Stallings y George Rufle, incorporados en 1931, quienes diseñarán los primeros personajes originales del estudio.

Tom y Jerry era un dúo al estilo de Mutt y Jeff de Bud Fisher, aunque bastante mas jóvenes. Alto, moreno y delgado el primero; bajo, rubio y redondo el segundo, carecían de la más mínima personalidad, como era habitual en los personajes de la época, y no tenían apenas dialogo. Se limitaban a reaccionar a las situaciones en las que se desarrollaban sus películas.

A lo largo de los tres años de su carrera, Tom y Jerry protagonizaron veintiséis episodios que van desde el puro producto de relleno hasta algunas películas llenas de un humor fantástico y surrealista en la mejor tradición de Fleischer. Su debut en Wot a Night (1931) es un claro de ejemplo de estas últimas, donde Tom y Jerry se introducen en una mansión encantada llena de esqueletos que tocan el piano o toman un baño. Otros cortos de buena factura y calidad son Swiss Trick (1931) donde acaban llenos de agujeros por comer demasiado queso suizo; Piano Toners (1932) en la cual Jerry persigue una nota desafinada que escapa de un piano; o Spanish Twist (1932) probablemente la mejor animada de la serie. Las seis últimas películas, realizadas en 1933 tras la marcha de John Foster son las más flojas de todas, aunque una de ellas fué el debut como director de Frank Tashlin. En ese año la serie pierde calidad y popularidad, por lo que es definitivamente cancelada.

A pesar de que siempre se ha dicho que los nombres del el gato y el ratón de Hanna-Barbera fueron seleccionados mediante una encuesta entre el personal de estudio, la coincidencia con los Tom y Jerry de Van Beuren quizás no sea tan casual. De hecho, Joe Barbera no podía ignorar la misma, pues trabajó en el estudio de Van Beuren en la época en que se realizaron los cortos de Tom y Jerry. En cualquier caso, resulta un dato sintomático sobre el carácter de mercancía de usar y tirar que tenían los dibujos animados, el que menos de diez años después se pudiesen bautizar unos personajes con el mismo nombre. Cuando en los años 50 Oficial Films distribuyó los cortos de Van Beuren para el mercado domestico de 8 y 16 mm. Tom y Jerry fueron rebautizados como Dick y Larry para evitar confusiones con el dúo de Hanna- Barbera.

Los veintiséis episodios de la serie son:

1931: Wot a Night – Polar Pals – Trouble – Jungle Jam – A Swiss Trick
1932: Rockeeters – Rabid Hunters – In The Bag – Joint Wipers – Pots and Pans – The Tuba Tooters – Plane Dumb – Redskin Blues – Jolly Fish – Barnyard Bunk – Spanish Twist – Piano Tuners – Pencil Mania
1933: Tight Rope Tricks – Magic Mummy – Happy Hoboes – Puzzled Pals – Hook and Ladder Hokum – In The Park – Doughnuts – The Phantom Rocket

Algunos titulos se pueden ver en la red en Archive. org

¿QUIEN POSEE LOS DERECHOS DE LOS DIBUJOS ANIMADOS CLASICOS?

2006-06-15T12:37:00.000+02:00

¿Por qué los nuevos lanzamientos en DVD de clásicos de la animación tardan tanto y resultan tan complejos?. Cuestiones de oportunidad aparte (para muchos, una reedición de “material viejo” no resulta rentable ni interesante), es el problema de la propiedad de estas películas lo que hace difícil su explotación hoy día. Así resulta que la mayoría de las recopilaciones de cartoons de aquella época que salen al mercado se realizan con material de dominio público.

Los derechos de explotación y distribución de los dibujos animados clásicos es una cuestión compleja por varios y diferentes motivos. En ocasiones, los derechos sobre la película terminada y sobre el personaje son propiedad de empresas diferentes. En otras, mientras los cortos son de dominio publico, el personaje no lo es. También, sucesivas ventas han fragmentado la propiedad del material que en origen pertenecía a un solo estudio. Y finalmente, los complejos cambios de manos de las grandes “mayors” de la industria del cine (que se compran y venden con su material histórico incluido) añaden un grado más de dificultad al tema.

Jerry Beck, en su extraordinaria e imprescindible pagina CARTOON RESEARCH, ha realizado un estudio sobre la propiedad actual de los derechos de los cartoons de la época clásica del medio. La lista es esta:

WALT DISNEY: Todo su material es propiedad de The Walt Disney Co.
TERRYTOONS (Super-ratón, Las Urracas Parlanchinas y otros): Son propiedad de Viacom (Paramount). Universal Home Video posee licencia para su explotación en video, pero hasta el momento no ha distribuido ningún material.
WALTER LANTZ (El Pájaro Loco, Chilly Willy y otros): Son propiedad de Universal Pictures.
SCREEN GEMS/COLUMBIA (Scrappy, la Zorra y el Cuervo y otros): Son propiedad de Columbia Pictures.
WARNER BROS (Looney Tunes y Merrie Melodies): Son propiedad de Warner Bros.
UPA (Mr. Magoo para cines de los cincuenta, Gerald Mc Boing Boing y otros): Son propiedad de Columbia Pictures.
UPA TV (Dick Tracy, Especiales de Magoo y otros cortos para televisión): Son propiedad de Classic Media LLP.
MGM (Tom y Jerry, los cortos de Tex Avery, los de Chuck Jones para television y otros): Son propiedad de Warner Bros.
DePATIE-FRELENG (Pantera Rosa, El Inspector, El Oso Hormiguero y otros): Son propiedad de Sony (Columbia Pictures).
FLEISCHER/FAMOUS/PARAMOUNT: Su propiedad se reparte del siguiente modo:
POPEYE: Propiedad de Warner Bros. El personaje pertenece a King Features. Recientemente ambas compañias han llegado a un acuerdo, lo que permitirá el lanzamiento de un primer DVD con los clásicos restaurados en 2007.
SUPERMAN: Propiedad de Warner Bros. Aunque todos son ya de dominio público.
OTROS FLEISCHER (Betty Boop, Screen Songs, Koko el Payaso (1927-1929), Animated Antics, Stone-Age y Color Classics): Propiedad de Republic Pictures (subsidiaria de Viacom). Artisan Entertaintment tiene la licencia de explotacion en video.
FAMOUS ESTUDIO 1942-50 (Noveltoons y la Pequeña Lulu): Propiedad de Republic Pictures (subsidiaria de Viacom). Artisan Entertaintment tiene la licencia de explotacion en video.
FAMOUS ESTUDIO 1950-62 (Casper, Herman y Katnip, Harveytoons y otros): Propiedad de Classic Media LLP.
PARAMOUNT (Honey Halfwitch, Swifty y Shorty, Noveltoons y otros): Propiedad de Paramount Pictures.

El resto no reseñado aquí (Van Beuren, Iwerks, Mintz y otros) se encuentran en dominio público desde hace años.

(Gracias infinitas a Jerry Beck por permitirme publicar esta reseña)

TOM + JERRY = 7... (o más)

2006-06-06T21:35:00.000+02:00

Asi es. Tom y Jerry suman en total cuatro gatos y tres ratones. O dicho de modo menos oscuro: durante los veintisiete años que duró su dilatada carrera, se asomaron a la pantalla, al menos, cuatro gatos y tres ratones distintos diseñados por manos diferentes. Veamos el proceso:

La epoca Hanna-Barbera (1940-1957)

Hacia mediados de 1939, Fred Quimby, jefe de producción del departamento de animación de MGM, no estaba satisfecho con los resultados de su personaje estrella de aquella época: Barney Bear. William Hanna y Joe Barbera trataron de crear una pareja de personajes opuestos y, tras barajar durante un tiempo a un perro y un gato, se decidieron finalmente por un dúo clásico gato-ratón, a pesar de que a Quimby no le gustaba la idea y la encontraba poco original.

Aunque se trataba de un proyecto absolutamente personal de Hanna y Barbera, los títulos de crédito de la primera película, “Puss Gets The Boot” (1940), la atribuyen a Rudy Ising. En este primer cortometraje el gato se llamaba Jasper y el ratón no tenia nombre. Los apelativos de Tom y Jerry se eligieron mas tarde por concurso entre el personal del estudio.

Hoja de modelo del original de 1940

“Puss Gets The Boot” fue muy bien recibida por el público y la crítica. Una inesperada nominación a los Oscar termino por afianzar el exitoso comienzo de la serie, que se desarrollaría en 114 cortometrajes en 17 años.

El diseño de Tom vario mucho a lo largo de tan amplio periodo, mientras que Jerry permanecería sin cambios. Igualmente, el estilo de la serie fue modernizándose con el paso de los años, adaptándose a tiempos mas modernos e, inevitablemente, al cada vez más escaso presupuesto.

En el periodo Hanna-Barbera pueden distinguirse claramente dos Tom diferentes. El primero, que aparece al inicio de la serie, va evolucionando hacia otro modelo que se hace patente sobre todo a partir de la década de los cincuenta. Los cambios afectan al hocico, que se hace más ovalado y a las mejillas cada vez más salientes en posiciones cerradas de la boca y con forma triangular (al estilo de Silvester de WB) en las posiciones cerradas. Jerry no cambia.

Tom original
(“Puss Gets The Boot” MGM, 1940)

La evolución del diseño clásico
(“That’s my Mommy”, MGM, 1955)

La época Gene Deitch (1960-1962)

Tres años después de cerrar su departamento de animación, MGM se propone realizar nuevos cortometrajes de Tom y Jerry. Para ello llega a un acuerdo con el productor William L. Snyder, quien se compromete a realizar trece películas nuevas del gato y el ratón en su estudio de Praga (Checoslovaquia).

Snyder, distribuidor de películas en 16 mm, llevaba un tiempo recorriendo Europa a la busca de cortometrajes de animación para distribuirlos a través de su organización. Pronto, además, comienza a producir sus propias películas en un estudio Checoslovaco bajo la dirección de Gene Deitch, quien en Estados Unidos había trabajado como animador y director para UPA y Terrytoons. Deitch era, en aquel momento, el único americano trabajando tras el “telón de acero”.

El estilo de la animación realizada en Praga difiere mucho del americano. Los europeos no estaban acostumbrados al ritmo de realización del cartoon de Hollywood. Además debían de trabajar un presupuesto muy inferior (de 40000 dólares por episodio americano a 10000 por 12 checoslovacos) y con tan solo cuatro copias de cortos de Tom y Jerry como referencia. Aquello obligo a Deitch a simplificar notablemente el diseño de los personajes para adaptarlos a la capacidad de su equipo europeo.

Tom y Jerry “europeos”
(“High Steak” MGM, 1961)

La época Chuck Jones (1963-1967)

Tras la pobre experiencia europea, MGM decide probar fortuna con un equipo de casa. Contratan en esta ocasión con Sib-Tower 12, la empresa que el famoso animador de Warner Bros, Chuck Jones ha creado con su socio Les Goldman.

Con un presupuesto relativamente alto de 42000 dólares por episodio, Jones realizará 32 cortometrajes más de Tom y Jerry, imprimiendo a la serie el ritmo y parte del carácter de su serie del Correcaminos. Los personajes son de nuevo rediseñados por Jones: Tom con orejas mas puntiagudas y cejas mas espesas; Jerry con orejas y ojos ligeramente mayores.

El diseño de Chuck Jones
(“Haunted Mouse” MGM, 1965)

CODA: En 1975 Hanna y Barbera vuelven a retomar el personaje para una serie de televisión de 48 episodios. Tom y Jerry recuperan su apariencia original, aunque con las limitaciones propias de un diseño para televisión.

CARTOONS EN DVD 1 - FLEISCHER

2006-06-01T19:16:00.000+02:00

Comenzamos una serie de entradas repasando todos los Dvds con clásicos del cartoon que se pueden encontrar a la fecha en las tiendas españolas. Comenzamos con Fleischer: poco hay...

Betty Boop Edicion coleccionista (Planeta Junior)

Se trata de una recopilación de 45 cortos repartidos en cinco discos y dos volúmenes, que comprenden una amplia selección de lo mejor de Betty Boop. Se echan a faltar algunos títulos fundamentales como “Snow-White”, “The Old Man of the Mountain” o “Betty Boop and Popeye”, pero la muestra es bastante significativa de la evolución de la serie desde su inicio en 1931 hasta su declive en 1937. Los cortos de esta edición se presentan, por desgracia, horriblemente coloreados y con sonido únicamente en español. No tiene extras. La selección comprende (con sus títulos originales) las siguientes películas:

Volumen 1 – Disco 1: Admisión Free (1932), Any Rags (1932), Baby Be Good (1935), Betty Boop and Grampy (1935), Little Jimmy (1936), Betty Boop for President (1932), Betty in Blunderland (1934), The Betty Boop Limited (1932), Betty Boop’s Big Boss (1933)

Volumen 1 – Disco 2: Betty Boop’s Birthday Party (1933), Betty Boop’s Bizzy Bee (1932), Betty Boop’s Crazy Inventions (1933), Hallowe’en Party (1933), Betty Boop’s Bamboo Isle (1932), Betty Boop’s Ker-Choo (1933), Betty Boop’s Life Guard (1934), Betty Boop’s Little Pal (1934), Betty Boop’s May Party (1933), Betty Boop’s Museum (1932)

Volumen 2 – Disco 1: Betty Boop’s Penthouse (1933), Betty Boop’s Prize Show (1934), Betty Boop’s Rise to Fame (1934), Betty Boop’s Trial (1934), Betty Boop’s Ups and Downs (1932), Bimbo’s Express (1931), Boop-oop-a-Doop (1932), The Candid Candidate (1937), Crazy Town (1932), The Dancing Fool (1932)

Volumen 2 – Disco 2: Ding Dong Doogie (1937), Dizzy Red Riding Hood (1931), The Foxy Hunter (1937), Indoor Outing (1936), Happy You and Merry Me (1936), Betty Boop’s Henry (1935), The Hot Air Salesman (1937), House Cleaning Blues (1937), A Hunting We Will Go (1932)

Volumen 2 – Disco 3: I Heard (1933), I’ll Be Glad When You’re Dead You Rascal You (1932), The Impractical Joker (1937), Is My Palm Read (1933), Jack and The Beanstalk (1931), Judge For a Day (1935), Keep in Style (1934)

Los Viajes de Gulliver (Sogemedia)

Primer largometraje de Fleischer, “Gulliver’s Travels” realizado en 1939. Edición con sonido en español e inglés. Sin extras. Existen dos tipos de copias en dvd de este clásico, la primera es una versión restaurada de extraordinaria calidad, la segunda, es una versión mutilada en mas de diez minutos y con un color pésimo. La calidad de los productos de Sogemedia me hace sospechar que se trata de la buena, pero no puedo asegurarlo.

Superman I y II (Sogemedia)

Colección casi completa (salvo error solo falta “Japoteurs”) de los cortometrajes más elaborados y realistas producidos por Fleischer, aunque solo la mitad fueron realizados antes de que el estudio fuese adquirido por Paramount en 1942. Calidad de audio y video excelente. Comprende los siguientes títulos:

Volumen 1: Showdown(1942), Superman (1941), Eleventh tour (1942), Mechanical Monster (1941), Destruction Inc. (1942), The Billion Dollar Limited (1942), The Mummy Strikes (1944), The Artic Giant (1942).

Volumen 2: Jungle Drums (1943), the Magnetic Telescope (1942), The Underground World (1943), The Electric Earthquake (1942), Volcano (1942), Terror on the Midway (1942), The Bulleters (1942), Secret Agent (1944).

Atención. Existe un dvd que circula bajo el título "Las originales aventuras animadas de Superman". No es la versión de Fleischer, sino una serie japonesa realizada en 1994.

EL DOBLE CASO DEL RATON ROBADO (Plagios de Mickey Mouse)

2006-06-01T13:04:00.000+02:00

A principios de los años treinta el éxito de Mickey Mouse estaba tan firmemente consolidado que no es extraño que sus posibles competidores tratasen de parecerse lo más posible a él.

Aunque el número de personajes similares Mickey es bastante ámplio, en la mayoría de los casos sus diseñadores se limitaron a crear pesonajes con un vago parecido al ratón, más en cuanto a la estructura de su diseño que en sus peculiaridades específicas.Tal es el caso de Bosko, el personaje de los primeros dibujos animados de "Looney Tunes" creado por Hugh Harman y Rudy Ising; o de Flip, la rana, creada por Ub Iwerks. En Ambos casos la influencia es obvia: Iwerks fue el creador de Mickey Mouse y Harman e Ising fueron animadores en el estudio de Disney en esa misma época.

Diremos, en descargo de los supuestos imitadores, que el diseño básico de Mickey Mouse procede de forma directa del tipo de ratón usado hasta la saciedad en los dibujos animados de la época muda y que tiene su origen en los ratones que poblaban la serie "Aesop's Fables" de Paul Terry. Sin embargo, en dos ocasiones, el parecido de determinados personajes con Mickey era tan evidente que Disney se vió obligado a intervenir para proteger su creación.

El primer diseño de Mickey Mouse
("Plane Crazy" Walt Disney, 1928)

El primero de nuestros casos de plagio "ratonil"se produjo en 1931 en el más caracterítico de los "estudios B" de la época: Van Beuren. John Foster, el director de animación, diseñó una pareja de ratoncitos para las películas "Close Call" y "Western Whoopee". Estos personajes eran tan exactamente parecidos a Mickey y Minnie Mouse que Disney demandó al estudio por plagio en abril de 1931. Cuatro meses más tarde la sentencia prohibió a Van Beuren "emplear, usar o mostrar la representación pictórica de Mickey Mouse o cualquier variación del mismo tan similar que pueda inducir a error o confundirse con la dicha representación pictórica de Mickey Mouse".

Los "Mickeys" de Van Beuren
("Close Call" Van Beuren, 1931)

En ese mismo año Rudy Ising crea el personaje de Foxy para la pelícla "Lady, Play Your Mandolin", la primera entrega de la serie "Merrie Melodies" distribuida por Warner Bros.En este caso el plagio era aun más claro: Foxy era Mickey Mouse con orejas puntiagudas y cola de zorro. El personaje apareció en dos películas más: "Smile, Darm Ya Smile" y "One More Time", antes de desaparecer, según todas las fuentes, a petición del propio Disney.

Foxy: Mickey disfrazado de zorro.
("Lady, Play Your Mandolin" Schlesinger-WB, 1931)

Podeis ver "Lady, Play Your Mandolin" aqui:

http://www.animationarchive.org/pics/hbf02ladyplayyourmandolin.mov

DE COMO WALTER LANTZ GANO UN CONEJO Y UN ESTUDIO EN UNA PARTIDA DE POKER

2006-05-30T21:01:00.000+02:00

Por increíble que esta historia pueda parecer es, sin embargo cierta. Se trata de uno de los casos mas afortunados de estar en el sitio justo y en el momento preciso. Walter Lantz, el creador del Pajaro Loco (Woody Woodpecker), consiguió la jefatura del estudio de animación de Universal Pictures y al personaje Oswald, the Lucky Rabbit, gracias no una, sino varias partidas de poker. Contemos esta curiosa historia…

El estudio de Mack Sennett

En 1928, Walter Lantz se encontraba en Hollywood trabajando como guionista para el productor de comedias Mack Sennett. El año anterior, había perdido su trabajo en Nueva York donde dirigía los estudios de animación de J.R. Bray, cuando éste cerro el negocio.

Hombre amable, modesto, de trato fácil y numerosos intereses, el circulo de amistades de Lantz en la entonces naciente meca del cine era amplio y variopinto. Y dentro de este, gracias a su mutuo interés por los automóviles, se encontraba el productor Sam Van Ronkel. Los Estudios de Sennett habían cerrado recientemente y Walter se encontraba sin trabajo, de modo que cuando Van Ronkel le propuso conducir su nuevo y lujoso Rolls Royce, acepto de inmediato.

Walter llevaba cada jueves por la noche a Van Ronkel a sus semanales partidas de poker. Uno de los habituales de dichas partidas era Carl Laemmle, fundador en 1912 de Universal Pictures. Laemmle, que jugaba fuerte (no era raro que perdiese grandes sumas de dinero), observo sin embargo que solía ganar cuando Lantz estaba cerca. “Este muchacho es mi amuleto de la suerte” repetía.

Oswald, The Lucky Rabbit

Por aquel entonces Universal distribuía una serie de cortos de animación protagonizados por Oswald, The Lucky Rabbit. El personaje había sido creado por Walt Disney y distribuido por Charles Mintz quien vendía las películas a Universal. En una jugada aviesa, Mintz se había quedado con el personaje y parte del personal del estudio Disney. Mas adelante, Hugh Harman y Rudolf Ising, dos de sus animadores, habían repetido la jugada quitándole el estudio a Mintz. Finalmente, Laemmle, dueño en definitiva del personaje, decidió evitar más problemas y producir el mismo los cortos del conejo.

Universal se convertía así en el primero de los grandes estudios en tener un departamento de animación. Sin embargo, Laemmle no sabía nada de animación. Necesitaba urgentemente alguien que supiese del negocio, conociese a animadores y se hiciese cargo del departamento.

Walter Lantz Y Carl Laemmle

Fue Van Roekel quien recordó a Laemmle que la persona adecuada compartía mesa con ellos cada jueves por la noche. “Esta en el negocio antes que Disney” le aseguró (lo cual era cierto). Para Laemmle fue cosa hecha. “Si me da suerte en el poker, también me la dará produciendo dibujos animados” dicen de dijo. Walter Lantz se convirtió en jefe del departamento de animación de Universal produciendo cortos de Oswald.

Como dije antes, esta es la historia de alguien que, por estar en el sitio justo en el momento preciso, ganó un conejo y un estudio de animación. Así lo cuenta Joe Adamson en su libro “The Walter Lantz Story”.

(Gracias a Atilio Millán por sugerirme la historia)

ACLARACION EN IMAGENES

2006-05-30T18:27:00.000+02:00

Me refiero, aproximadamente, al periodo

comprendido entre estas dos imágenes.

("Steamboat Willie" Disney 1928

"Huckleberry Hound Show" Hanna- Barbera 1958)

¿DE QUE VA ESTO?

2006-05-30T18:20:00.000+02:00

Soy, por encima de todo, un apasionado del dibujo animado. Desde que era un niño me han fascinado los dibujos en movimiento. Nada raro hasta aquí, pues a todos los niños nos encantaban. Lo difícil y más extraño es que crezcas (y yo llevo muuuuchos años creciendo) y sigan, no solo gustándote, sino siendo uno de tus intereses predominantes.

Lógicamente, con el paso de los años, tratas de no quedarte en simple mirón y quieres saber más. Cuando era joven las posibilidades de investigar este fascinante mundo de la animación eran muy escasas, por no decir que casi nulas. Recuerdo que de chaval, y durante muchos años, los únicos libros a los que pude tener acceso en español eran solo cuatro: el pequeño manual de Ed Tietjens editado por Parramon, la horrible traducción de Omega del libro de John Halas y Roger Manvell, una pésima biografía de Disney escrita por su hija Dianne y editado por Rialp y mi favorito, “Maravillas de los Dibujos Animados” de Bob Thomas. Este último libro era un apasionante recorrido por el proceso de producción de “La Bella Durmiente” y me tuvo enganchado años y años a sus hermosas páginas. Como se ve poco material para quien quería conocer que había más allá de Disney.

Por otra parte, el panorama de los libros sobre animación práctica era aun más desolador. Al menos ahí tuve suerte, pues mi padre me regaló siendo yo muy niño, el imprescindible “Animation” de Preston Blair en la edicion en inglés de Warren Foster. Cuantas veces copié y copié sus páginas…

Un buen día, hará unos quince años, comenzaron a aparecer en el mercado y con cuentagotas algunos libros de importación. Así fue como llegó a mis manos “the Art of Walt Disney” de Christopher Finch. Un tomo enorme y pesado pero sumamente interesante. Ni que decir tiene que tuve que aprender a leer en inglés, primero con el diccionario siempre a mano y, poco a poco, pudiendo prescindir de el cada vez más. Con mi segundo hallazgo en las librerías tuve mas suerte. Se trataba de “The History of Animation” de Charles Salomón. Aquel libro me descubrió un mundo nuevo. Como yo sospechaba, había todo un universo por descubrir mas allá de Disney.

Mi biblioteca, y mi interés por el tema fue creciendo. Hasta que un día se produce un doble milagro: aparece Internet y, algunos años mas tarde, la librería Amazon. Lo segundo contribuyo a que mi biblioteca y videoteca aumentasen de forma espectacular. Lo primero puso a mi disposición todo un mundo de información que, hoy día, ha llegado a ser casi inabarcable.

Y tras este largo prologo, paso a explicar de que va esto. ¿Qué pretendo hacer con estas paginas?. Pues compartir mucho de lo que he aprendido de la historia de este maravilloso medio que me fascina. Algo de lo que se, otro poco de lo que encuentro por ahí y, en ocasiones, algo de lo que ignoro.

Pero ¿porqué mi blog se llama cartoon clásico?. El motivo es que, a pesar de que trato de saber y de estar al día de todo, evidentemente, dentro de un campo de interés tan amplio, tengo mis preferencias. Y estas están orientadas hacia lo que se conoce como animación cartoon, es decir, el dibujo animado de caricatura, humorístico, anti realista, paródico y, habitualmente, alocado que domino el medio durante años. Y ¿porqué clásico?. Porque pretendo centrarme en un periodo concreto (que abarca desde los primeros dibujos sonoros hasta los últimos días de la animación “de estudio”) y un lugar preciso (los Estados Unidos) donde el género tuvo su momento de esplendor. Este periodo es algo mayor que el que los historiadores conocen como “The Golden Age” e incluye las primeras aportaciones de los pioneros de la animación para televisión.

Este es el marco de mi blog. Lo que pretendo meter en ese marco son anécdotas, historias, hechos, curiosidades, biografías y todo cuanto pueda compartir de aquello que aprendí a amar con pasión. Si te interesa, léeme de vez en cuando…

Saludos