LOS PADRES DE BUGS BUNNY

Todos los personajes de dibujos animados que tienen, como Bugs Bunny, una larga carrera, evolucionan en su diseño de tal forma que resulta imposible atribuir su paternidad a un solo artista, sino, antes al contrario, a toda una serie de personas que ayudaron a definir tanto su apariencia física como su personalidad.

Existe una teoría ampliamente difundida, que surge de un comentario de Frank Tahslin (recogido por Mike Barrier), según la cual Bugs Bunny no sería más que un plagio de Max Hare, la liebre de “The Tortoise and the Hare” de Disney. En apoyo de esta teoría está el hecho de que el diseñador de Max Hare, Charlie Thorson, fue también uno de los encargados de rediseñar a Bugs. Sin embargo, la aportación de Thorson no se produce hasta un par de años más tarde y, por otro lado, la simple comparación de ambos personajes, desmiente de forma categórica esta teoría.

Max Hare, el supuesto plagiado

La primera película protagonizada por lo que puede ser considerado un primer prototipo o un ancestro de Bugs Bunny es “Porky’s Hare Hunt”, dirigida por Ben “Bugs” Hardaway en 1938. En ella aparece un conejo blanco de prominente nariz a quien, a los meros efectos de poder ser identificado, se conocerá en el estudio con el nombre genérico de “Happy Rabbit”.

Bugs prehistorico: Happy Rabbit

“Porky’s Hare Hunt” es en un triple sentido una repetición de la película de 1937 “Porky’s Duck Hunt”, en la que se basan tanto el título (obviamente), como el argumento y el personaje. En las dos películas, Porky interpreta el papel de un cazador burlado y ridiculizado por la presa a quien pretende cazar: un pato en una película y un conejo en la otra. Ambos personajes son igualmente idénticos, excepto por su apariencia. Happy Rabbit no es más que un Daffy disfrazado de conejo, con la misma personalidad salvajemente alocada, transgresora, surrealista y sin sentido.

"Porky's Hare Hunt"

En el año siguiente, Happy Rabbit protagonizará la película de Chuck Jones “Prest-O Change-O”, sin alterar sustancialmente ni su diseño ni su personalidad a lo Daffy.

"Prest-O Change-O"

Será en “Hare-um Scare-um”, también de 1939 y dirigida por Cal Dalton y Ben Hardaway, donde se comienzan a producir los cambios que van definiendo al personaje. Para comenzar, Charlie Thorson rediseña al conejo dotándolo de pelaje gris, un hocico más prominente y sus dos característicos dientes incisivos. Es también aquí cuando se produce el bautismo no oficial del personaje a quien, en una hoja de modelos, el animador Gil Turner denomina el conejo de Bugs (“Bug’s” Bunny), por el director de la película Ben “Bugs” Hardaway.

El Bugs de Hardaway

"Hare-um Scare-um"

En la película de Chuck Jones “Elmer’s Candid Camera” de 1940, Bugs y Elmer son nuevamente rediseñados. Bugs de forma ligera, dándole una apariencia más elegante y orejas con puntas negras. Elmer de una forma mucho más profunda, que lo acerca casi definitivamente a su diseño final. La personalidad de Bugs continúa siendo tan salvaje y alocada como en películas anteriores, aunque algo más reflexiva.

"Elmer's Candid Camera"

Con “A Wild Hare”, tambien de 1940, Tex Avery realiza una película crucial para el desarrollo de Bugs Bunny. No solo se vuelve a rediseñar el personaje, sino que por primera vez se establecen las bases de la personalidad que lo hará famoso. La locura exhibida en anteriores películas se atempera con una carácter más racional e inteligente. Es en “A Wild Hare” donde Bugs adquiere esa chulería y sofisticación que lo definirán (con sutiles diferencias entre los distintos directores que usan al personaje) para el resto de su carrera. También es Avery quien proporciona al conejo su famosa frase “¿Qué hay de nuevo, viejo?” (What’s Up, Doc?). La importancia de “A Wild Hare” es tal que muchos críticos consideran esta película como la primera de Bugs Bunny, y las anteriores como películas de personajes diversos que, de una forma u otra, guardan algún parecido con Bugs.

El Bugs Bunny de Avery: Fotograma y
hoja de modelos de "A Wild Hare".

La siguiente película del conejo, “Elmer’s Pet Rabbit” de 1941, será también la primera en que públicamente se le denomina como Bugs Bunny. El personaje continuará evolucionando en su diseño de una manera mucho mas lenta en las siguientes entregas, hasta que, para la película “Bugs Bunny Gets the Boid” de 1942, Robert McKimson dibuja la hoja de modelos del que sería la apariencia definitiva de Bugs Bunny.

Dos de los modelos "definitivos de Bugs Bunny
dibujados por Bob McKimson

OSCARTOONS 1934

THE TORTOISE AND THE HARE, ganador

Nuevamente en esta edición el Oscar es para una pelicula Disney de la serie “Silly Symphonies”. “The Tortoise and The Hare” recrea la fabula clásica de Esopo de la liebre y la tortuga. Está realizada en un periodo de expansión y crecimiento en el estudio, en el que los animadores están aprendiendo película a película a animar todo tipo de movimientos. En “The Tortoise and The Hare” sorprende la extraordinaria representación de los movimientos veloces de la liebre en las secuencias animadas por Hamilton Luske.

El personaje de la liebre (Max Hare) es obra de Charlie Thornson, quien años después contribuiría de manera decisiva al diseño final de un conejo aun más famoso, Bugs Bunny. La película es la primera en usar el sonido real de unos frenos de automóvil para acompañar a la frenada de un personaje animado, recurso que más tarde se utilizaría hasta la saciedad en otros dibujos animados. Al año siguiente se estrenaría una secuela de la película con los mismos personajes, titulada “Toby Tortoise Returns”.

HOLIDAYLAND, nominado

La primera nominación a un Oscar para Mintz es también la primera película en color de su estudio y la primera de la serie “Color Rhapsodies”. “Holidayland”, está protagonizada por Scrappy, personaje que ya tenia su serie propia. En la película, el “padre tiempo” lleva a Scrappy, quien se niega a levantarse de la cama para ir a la escuela, a realizar un tour por todas las fechas de vacaciones del año.


JOLLY LITTLE ELVES, nominado

La nominación de Walter Lantz también es el primer corto en color del estudio (sin contar con el prologo de “The King of Jazz”) y el primero de la serie Cartune Classic. Con esta película Lantz se apuntaba a la moda de las películas musicales en color sin personaje fijo, al estilo de las “Silly Symphonies” de Disney. El argumento gira en torno a unos elfos mágicos que ayudan a un pobre zapatero.

EL ESTUDIO IWERKS

Durante años, Ub Iwerks fue considerado, no solo como el mejor animador de la industria, sino como el “genio en la sombra” responsable del éxito de Walt Disney. El tiempo y los hechos demostraron en parte lo primero, y desmintieron rotundamente lo segundo.

La carrera de Iwerks se remonta a 1916 en Kansas City, donde trabajaba junto con Walt Disney en el Pesman-Rubin Comercial Art Studio. A partir de ese momento las trayectorias de ambos van unidas, tanto en el Kansas City Film Ad, como en la nueva empresa de Disney, Laugh-O-Gram Films, Inc. Cuando Disney se traslada a Hollywood y funda el Disney Brothers Studio en 1923, Iwerks es uno de sus primeros animadores.

Disney e Iwerks

Mucho mejor animador que Disney (y también, uno de los más rápidos del negocio), el papel de Iwerks es fundamental en el desarrollo del Estudio Disney tanto en la época muda (en las series “Alice Comedies” y “Oswald, the luky Rabbit”), como en las primeras experiencias sonoras. Los tres primeros cortos de Mickey Mouse y el primer “Silly Simphonies” (“The Skeleton Dance”), fueron prácticamente animados por Iwerks en solitario. Hoy día es generalmente admitido que el diseño original de Mickey Mouse fue obra también de Iwerks.

"Steamboat Willie" (1928)

"The Skeleton Dance" (1929)

Aquellos primeros años fueron tiempos duros en el Estudio Disney, y las exigencias de Walt de mayor calidad en la animación fueron poco a poco minando la paciencia y los nervios de Iwerks, quien, por otro lado, acostumbrado a animar casi en solitario, se negaba a adaptarse a los nuevos sistemas de producción y delegar parte de su trabajo en sus asistentes. La situación fue haciéndose cada más tensa hasta que, en 1930, Iwerks decide abandonar a Disney y aceptar una propuesta del distribuidor Pat Powers para crear su propio estudio.

Iwerks, con un pequeño equipo, y nuevamente realizando la animación casi en solitario, produce un episodio piloto de su nueva serie “Flip, the Frog”. Flip es la caricatura de una rana de con guantes y zapatos. Ni este primer episodio, “Fiddlesticks” (el único realizado en color) ni el segundo “Puddle Prank” convencen a Powers, quien presiona a Iwerks para rediseñar el personaje. El resultado es un personaje más agradable a la vista pero con un innegable parecido con Mickey Mouse.

El primer Flip, "Fiddlesticks" (1931)

Pat Power consigue vender la serie a MGM, en la que sería la primera incursión de este estudio en el campo de la animación. Iwerks aumenta entonces su plantilla con gente de la talla del músico Carl Stalling o los animadores Grin Natwick, Rudy Zamora, Ivr Spence, Al Eugster y Shamus Culhane. Sin embargo, los resultados no están a la altura de la creatividad de tan extraordinario equipo, y los treinta y siete cortos de Flip (1930-1933), aunque contienen individualmente escenas memorables, no alcanzan en conjunto demasiado éxito.

"The Milkman" (1932)

En 1933, Iwerks prepara dos nuevas series. La primera de ellas, que reemplaza a Flip, es Willie Whooper, y cuenta las andanzas de un muchacho con la habilidad de vivir extraordinarias aventuras con su imaginación. Aunque tanto la animación como las historias eran en general mejores que en los cortos de Flip, Willie comparte con este último la misma carencia de personalidad. La serie nuevamente obtiene un éxito bastante pobre, lo que decide a MGM a no seguir distribuyendo los cortos de Iwerks.

Willie Whooper en "Stratos Fear" (1933)

La otra serie creada en 1933 por Iwerks (ya entonces retirado del tablero de animación y en funciones únicamente de supervisión) es Comicolor. Basada en personajes y cuentos clásicos, esta serie esta filmada, como su nombre indica, en color mediante el procedimiento bicromático Cinecolor. En este periodo, Iwerks incrementa de nuevo su personal, contratando a extraordinarios profesionales tales como Otto Englander, Ben Hardaway, Bernie Wolf, Dick Bickenbach, Norm Blackburn, Steve Bosustow y Frank Tashlin. Desde la primera entrega, “Jack and the Beanstalk” (1934) hasta la ultima, “Happy Days”, distribuida en 1936, la serie es irregular, con algunos episodios brillantes y otros francamente pobres.

"Balloonland" (1935)

"Humpty Dumpty" (1935)

Al perder el contrato con MGM en 1934, la serie Comicolor seria distribuida por la compañía de Pat Powers, Celebrity Cartoons, pero a través de una compañía modesta no era posible igualar los ingresos generados mediante la distribución a través de un gran estudio como MGM. Forzado por los problemas económicos, el estudio Iwerks cierra sus puertas en 1936.

Hasta 1940 Iwerks trata de sobrevivir como productor independiente consiguiendo subcontratas de Leon Schlesinger (dos cortos de Porky en 1937), o de Charles Mintz (quince cortos para Columbia de 1938 a 1940). Incluso se atrevió con una pequeña serie por su cuenta, llamada “Gran’Pop Monkey”, de la que realizó tres películas que probablemente no llegaron siquiera a ser distribuidas.

Titulos de credito de "Porky and Gabby" (1937)

Finalmente, y a pesar de las diferencias que los habían separado diez años atrás, Iwerks vuelve a trabajar para Disney. Esta vez no como animador, sino inventando o perfeccionado nuevas tecnologías, especialmente en el campo de los efectos especiales opticos, lo que le valió el reconocimiento de la industria a través de dos premios Oscar. Iwerks permaneció en el Estudio Disney hasta su muerte en 1971.

Podeis ver varias peliculas de Ub Iwerks en Youtube.

TITULOS DE APERTURA DE “THE LADY EVE”

Warner Bros no tuvo su propio departamento de animación hasta el año 1944. Anteriormente, las famosas series de dibujos animados “Looney Tunes” y “Merrie Melodies”, aunque distribuidas por Warner, fueron producidas por el estudio de Leon Schlesinger. Por ello, no todas las producciones animadas que salieron de ese estudio fueron producciones Warner. Schlensinger subcontrató trabajos para otros estudios en varias ocasiones.

Amid Amidi habla de algunas de ellas en Cartoonbrew. Así, una secuencia animada en una producción de Republic Pictures de 1939 titulada “She Married a Cop” (se puede ver aquí). O una aparición de Bugs Bunny en la película de George Pal “Jasper Goes Hunting” (aquí).

Amidi menciona también los títulos de crédito para la película Paramount de Preston Sturges “The Lady Eve” (1914) interpretada por Henry Fonda y Barbara Stanwick. La secuencia de apertura contiene la animación de una serpiente realizada por el estudio de Schlesinger.

Los títulos de “The Lady Eve” se pueden ver en Youtube.

BERNARD "BERNIE" WOLF (1911-2006)

La semana pasada, a la edad de 95 años, se fue un gran veterano de la industria. Bernie Wolf es otro de esos enormes profesionales que, a lo largo de su carrera, pasearon su arte por casi todos los grandes estudios de dibujos animados de la edad dorada del cartoon, y que, como tantos otros, acabaron trabajando en comerciales y, finalmente, recogidos por la mano benefactora del estudio de Hanna-Barbera.

Bernie Wolf en el estudio Iwerks

Su larga carrera comenzó en Nueva York en 1924, como entintador en las películas mudas de Krazy Kat (la gata loca) en el estudio de Ben Harrison y Manny Gould. Poco después, y aun como entintador, comienza a trabajar en el estudio de Fleischer en la serie de Koko the Clown. Tal y como cuenta Shamus Culhane en su imprescindible libro “Talking Animals and Other People”, en 1930 una inesperada diáspora de personal hacia la costa oeste, convierte a Wolf, Al Eugster y al propio Culhane en animadores de la noche a la mañana. Los tres amigos se estrenarán en la película de la serie Talkartoon de Fleischer “Swing, You Sinners”. En Fleischer, Wolf trabajaría durante 1930 a 1933 en las películas de Betty Boop. Suya es la extraordinaria secuencia de la morsa fantasma bailando el tema de Cab Calloway en “Minnie The Moocher”.

La secuencia de la morsa fantasma de "Minnie The Moocher"

A partir de 1933 Bernie Wolf, junto con Eusgter y Culhane, se trasladan a Hollywood para trabajar en el estudio de Iwerks. Wolf fue emparejado con otro antiguo animador de Fleischer, Grim Natwick, para dirigir la serie Willie Whoper. También realizarían algunas películas de la serie Comicolor (habitualmente dirigidas por Eugster y Culhane), entre ellas “Jack and the Beanstalk”, “The Valiant Taylor” o “Jack Frost”.

Willie Whooper

En 1938 Wolf (como tambien Eugster, Natwick y Culhane), comienza a trabajar para Disney. Su primera película sería “Donald Nephews” y, mas adelante, otros cortometrajes antes de serle asignado, junto a Ward Kimball, el personaje Jiminy Cricket en “Pinocho”. Le seguiría la animación de los centauros y faunos diseñados por Fred Moore para la secuencia de la Sinfonía Pastoral de “Fantasia”. En 1941, trabaja en “Dumbo” donde, entre otras, sería el encargado de realizar la secuencia en que los payasos brindan en su tienda por el éxito de su numero con Dumbo. Mostrados solo mediante sus siluetas, este fragmento refleja un increíble dominio de la puesta en escena y la caricatura, donde cada pose individual es enérgica, clara y reconocible.

La secuencia de los payasos brindando en "Dumbo"

En 1941, tras la huelga en el estudio, abandona Disney. Según Mark Kausler, Wolf trabajaría posteriormente haciendo Storyboards y Layout para Tex Avery en MGM. Estuvo destinado en la First Motion Picture Unit, unidad del ejército encargada del material audiovisual de entrenamiento y propaganda en la que trabajaron casi todos los grandes de la animación durante la guerra. Y después, colaboró de forma independiente para Rudy Ising, trabajó para el creciente mercado publicitario en televisión y, según cuenta Mark Evanier, incluso volvió a trabajar para Disney diseñando atracciones para Disneyland. En los setenta crea su propia compañía, Animedia, que, hasta su cierre, realiza innumerables trabajos y servicios comerciales y publicitarios, solo algunos relacionados con la animación. Vuelve a la animación en los ochenta como productor y editor en Hanna-Barbera para series como “Flinstones Kid” o “Scooby-Doo”. En los noventa realiza funciones de dirección para la serie “Gardfield and Friends” de Films Roman.

Cabecera para "Gardfield and Friends"de Films Roman

El material para desarrollar esta biografía se extrajo originalmente de reseñas de Mark Kausler y Mark Evanier publicadas en Cartoonbrew. La fotografía de Bernie Wolf es de la colección de Mark Mayerson.

OSCARTOONS 1932-33

THE THREE LITTLE PIGS - Ganador

Si en el año anterior Disney había conseguido el Oscar gracias a la novedad del uso del color en su gama completa, ahora la innovación vendría desde un punto de vista mucho mas sutil pero sustancialmente más importante. “Los tres cerditos” será el primer dibujo animado en desarrollar personalidades bien definidas y diferenciadas en cada uno de sus personajes principales.

Hasta ahora la diferencia entre unos personajes y otros venia definida básicamente por su apariencia, lo que le confería un tipo de personalidad estándar sugerida por su adscripción a un determinado estereotipo. El héroe sería así un tipo pequeño y vivaz enfrentado al malo, grande y pesado. Los personajes de “Los tres cerditos” definen su carácter por medio del movimiento y la acción, es decir, por primera vez en la historia del dibujo animado unos personajes “actúan”.

Este cortometraje supone, además, la confirmación del sistema de asignación a cada animador de un personaje concreto en base a las habilidades especificas de ese animador. Así, en “Los tres cerditos” Norman Ferguson, cuyo dominio de la pantomima lo convirtió un especialista en un personaje mudo como Pluto, se encargó de animar al lobo feroz. Dick Lundy, experto en escenas de danza, animó el baile de los cerditos. Estos últimos fueron animados por dos jóvenes, Fred Moore y Art Babbit, con una probada capacidad para dotar a sus personajes de una acusada personalidad.

La dirección de Burt Gillett, los maravillosos diseños de personajes de Albert Hurter y la música de Frank Churchill, con letra de Ted Sears y Pinto Colvig, contribuyeron asimismo a convertir a “los tres cerditos” en una película diferente y distinta a todo lo visto con anterioridad.

Sin embargo, su estreno en mayo de 1933 no causo en principio un gran impacto. Sería lentamente que la personalidad de sus personajes calaría en la audiencia y la convertirían en una de las películas animadas más populares de todos los tiempos. A ello contribuyó en muy gran medida el mensaje optimista de su canción “¿Quién teme al lobo feroz”, convertida en una especie de himno de la época de la depresión.

BUILDING A BUILDING - Nominado

Dirigida por Dave Hand, la segunda nominación de Disney es una aventura clásica de Mickey Mouse. En esta ocasión Mickey es el operario de una escavadora en la construcción de un edificio, Minnie una vendedora de cajas de almuerzo y Petleg Pete, el capataz de la obra. El villano hace de las suyas, el héroe salva a la dama, persecuciones y carreras sobre andamios y vigas a gran altura y un final feliz.


THE MERRY OLD SOUL -Nominado

Walter Lantz consiguió diez nominaciones a los Oscar a lo largo de su carrera, aunque no ganó nunca. En esta ocasión se trata de un corto de Oswald, the Lucky Rabbit, que narra la vieja y clásica leyenda de “Old King Cole”. La película contiene numerosas apariciones de actores de Hollywood de la época.

ED BENEDICT (1912-2006), DESCANSE EN PAZ

El pasado lunes 28 de agosto, a la edad de 94 años, falleció Ed Benedict, uno de los poquísimos maestros de la edad dorada del cartoon que aun vivia.

Benedict empezó como animador en el estudio Disney en 1930, y a lo largo de su larga carrera trabajó para Walter Lantz, Mintz, MGM, Hanna Barbera, numerosos estudios de animación comercial para TV e, incluso, durante algún tiempo, en su propio estudio que dirigió junto a Jerry Brewer.

Dibujo de Layout para "Dixieland Droopy", MGG

Aunque sus comienzos fueron como animador, su actividad más reconocida fue como diseñador y dibujante de layouts para Tex Avery y Mike Lah en MGM y, de manera muy especial, para Hanna-Barbera. Aunque personalmente fue un trabajo del que no se sintió nunca muy orgulloso, sus diseños de personajes para este estudio en los cincuenta establecieron el estilo de las series animadas clasicas de Hanna-Barbera. Suyos son los Picapiedra, Pixie y Dixie, Huckleberry Hound, el oso Yogi y tantos otros.

Hoja de modelo preliminar de Los Picapiedra (Hanna-Barbera)

Podeis ver diversas muestras del arte de Benedict, especialmente su mas desconocida obra en el campo de la animación comercial, en Cartoon Brew y Cartoon Modern.

Diversos diseños comerciales de los años 50

PERSONAJES OLVIDADOS: TOBY THE PUP

Otro oscuro personaje rescatado del olvido. Toby the Pup, fue un personaje creado por Sid Marcus, Dick Huemer y Art Davis en 1930 para el estudio de Charles B. Mintz

En 1930 el estudio de Mintz, radicado originalmente Nueva York, se traslada a California y comienza a distribuir su serie Krazy Kat a través de Columbia. No contento con ello, Mintz trata de expandir sus operaciones vendiendo una serie diferente a RKO. Para ello, contrata a dos de los mejores animadores de Fleischer, Dick Huemer y Sid Marcus, quienes junto con Art Davis diseñan un personaje a quien bautizan como Toby the Pup.

Los animadores Jack Carr, Sid Marcus y Dick Huemer con Toby

El propio Huemer, en una entrevista con Joe Adamson, describe a Toby como “Un personaje indescriptible. Una pequeña bestia negra que andaba sobre sus patas traseras y con una gran mata de pelo negro sobre la cabeza. Una especie de cosa rara parecida a un perro con largas orejas”. En cualquier caso, se siente la influencia Fleischer, de donde provenían Huemer y Marcus, pues el personaje recuerda bastante a Bimbo, de la serie Betty Boop.

"Toby in the Museum"

A pesar de no aportar nada original, la serie tiene un moderado éxito. Sin embargo, tras doce episodios producidos entre 1930 y 1931, RKO firma un contrato de distribución con el estudio Van Beuren y Toby desaparece de la pantalla y de la memoria.

"Toby, The Milkman"

La mayoría de las películas de Toby (excepto un fragmento de “Toby in the Museum”) se creían irremediablemente perdidas hasta hace poco. Según cuenta Jerry Beck en Cartoon Research, cuatro películas más han sido descubiertas en Europa recientemente (“Circus Time”, “The Milkman”, “Down South” y “Halloween”). Todas pertenecen al catálogo de Lobster Films y se emitieron en el programa Cartoon Factory del canal francés Arte.

"The Milkman" y "Down South"

Los títulos de Toby son los siguientes:

1930: The Museum, The Fiddler, The Miner, The Showman, The Bug House. 1931: Circus Time, The Milkman, Brown Derby, Down South, Halloween, Aces Up, The Bull Thrower.

“Toby in the Museum” y “Halloween” se pueden ver en Youtube aqui y aqui.

OSCARTOONS 1931-32

FLOWERS AND TREES – Ganador

El primero de los Oscar al mejor cortometraje animado en el año en que se creó esta categoría fue para “Flowers and Trees” de Walt Disney. Y para Disney serian los siguientes Oscar hasta 1940.

“Flowers and Trees” fue una arriesgada apuesta del Estudio Disney, en un momento en que los cortos de Mickey Mouse eclipsaban la popularidad de la otra serie en producción, “Silly Symphonies”. Disney necesitaba algo que atrajera el interés de los propietarios de cines hacia estos cortos, y ese algo fue el uso del color.

Aunque “Flowers and Trees” no fue el primer cartoon en color (ver aquí y aquí), si fue el primero en usar el nuevo sistema tricromático desarrollado por Technicolor. Este sistema, aun en pruebas, necesitaba usar tres cámaras, cada una con un filtro diferente, para la filmación. Esto hacia su uso en películas de acción real caro, engorroso y problemático. Sin embargo, para la filmación de dibujos animados el uso de la tricromía no solo era perfectamente viable, sino que permitía incluso prescindir de las tres cámaras, usando solo una en filmación sucesiva con filtros rojo, verde y azul.

La decisión de Disney supuso para el estudio afrontar dos problemas importantes. El primero fue su elevado coste. Roy Disney supo, sin embargo, sacar partido de ello forzando a Technicolor a la firma de un contrato de exclusividad de dos años sobre el procedimiento de tres colores. El resto de los estudios se vieron obligados a usar el procedimiento Technicolor de dos colores o el Cinecolor hasta 1933. El segundo problema, que ya habían tenido anteriores producciones en color, fue la inexistencia de colores adecuados que se adhirieran a los acetatos. El estudio Disney resolvió el inconveniente desarrollando su propia gama de pinturas especiales.

“Flowers and Trees”, una musical historia de amor entre dos árboles, estaba en plena producción cuando se tomó la decisión de hacerla en color. Esto obligo a desechar el material ya realizado en blanco y negro y volver a rehacerlo en color de nuevo. A partir de este momento, todos los cortos de la serie “Silly Symphonies” se producirían en color; los cortos de Mickey Mouse seguirían haciéndose en blanco y negro hasta “The Band Concert” en 1935.

El estreno de “Flowers and Trees” en el Teatro de Chino de Sid Graummann (acompañando al largometraje de Clark Gable “Strange Interlude”) supuso un éxito inmediato y consiguió para Disney el primero de sus muchos Oscar al mejor cortometraje animado.

MICKEY’S ORPHAN - Nominado

Una segunda película de Disney sería nominada en la edición 1931-32 de los Oscar al mejor corto animado. Se trata de “Mickey’s Orphan”, un cortometraje en el que una camada de gatitos, abandonados en una cesta a la puerta de la casa, complican la vida de Mickey y Minnie en el día de navidad.




IT’S GOT ME AGAIN – Nominado

El tercer nominado es “It’s Got Me Again”, un cortometraje de Harman-Ising para la serie Merrie Melodies de Warner Bros. En la película, unos ratones organizan una fiesta en una tienda de música y son sorprendidos por un gato, a quien, tras numerosas peripecias logran vencer.

PERSONAJES OLVIDADOS: CUBBY BEAR

Cubby Bear fue otro de los muchos personajes de corta vida que poblaron la pantalla en la década de los treinta. Creado por el animador Mannie Davis para el estudio de Van Beuren en 1933, Cubby y su compañera Cuddles, guardan, como la inmensa mayoría de los personajes de la época, un notable parecido con Mickey Mouse y, aunque jamas alcanzaron la gloria y éxito de éste, sus aventuras son, en su propio estilo, entretenidas e imaginativas.

El estudio de Amadee Van Beuren estaba en Nueva York, muy cerca del estudio de Fleischer. La animación realizada en ambas empresas era muy similar, aunque Fleischer tenía, sin lugar a dudas, mejores animadores. Es por ello que las películas de Van Beuren eran de mucha menor calidad artística. Sus empleados se habían formado en su mayoría durante la época muda y su adaptación al sonoro no fue ni fácil ni rápida; sus personajes parecían flotar al ritmo de la música, lo que daba a sus películas una apariencia de irrealidad que las hace únicas e muy interesantes.

Cubby es un clásico “tipo con suerte” que puede enfrentar cualquier reto que se le presente por delante. A lo largo de la serie su apariencia cambia en casi cada película. Su humor, al estilo del habitual en los estudios de Nueva York, es surrealista y estrafalario. Su primer corto “Opening Night”, es un claro ejemplo de este tipo de comedia, donde Cubby se cuela en la inauguración del gigantesco y completamente automático Teatro Roxy.

Vistos un tras otro, los cortos de la serie van mejorando paulatinamente. En 1934, Winston Sharples se hace cargo de la dirección musical del estudio y las películas de Cubby adquieren una mayor riqueza. La calidad de la animación también mejora con la incorporación al estudio de gente joven, como Frank Tashlin o Joe Barbera. Se realizan cortos ambiciosos, como “Finddlin’ Fun”, que hace una parodia de la carrera de cuadrigas de la versión de 1928 de “Ben Hur”. También el diseño de los personajes se hace más clásico, menos compacto y con más personalidad. Los fondos, en películas como “Mild Cargo”, experimentan una considerable mejora.

Resulta curioso resaltar que dos de las entradas de la serie fueron producidas en California por Harman e Ising, quienes recientemente habían abandonado el estudio de Schlesinger y Warner. Buscando trabajo, fueron contratados por Van Beuren para realizar “Cubby’s World Flight” y “The Gay Gaucho”, cortos cuya animación, por este motivo, se destaca del resto.

La serie terminó un año después tras veinte cortos, cuando el estudio decide contratar al director Burt Gillett, ex Disney responsable de “Los Tres Cerditos”. Gillett crea nuevas series en color para Van Beuren, basadas en personajes ya conocidos como “Toonerville Trolley” de Fontaine Fox y el gato Felix. El personaje de Cubby queda olvidado hasta que en 1940 es rescatado (y rebautizado como Brownie Bear) junto con el resto de las series de Van Beuren por Official Films para el mercado de 16 y 8 mm.

Los cortos de Cubby Bear han sido objeto de una extraordinaria y cuidadísima recopilación en DVD realizada por la empresa Thunderbean Animation (la mayoría de la información recogida aquí procede del propio DVD). En él, además de las 20 películas de la serie se recoge la única copia existente de “Michievous Cat”, realizada Harman e Ising, quienes supuestamente retuvieron la película por desavenencias con Van Beuren.


Los cortos de Cubby son los siguientes:

1933: Opening Night, Love’s Labor Won!, The Lost Mail, Bubbles and Troubles, Barking Dogs, Indian Whoopie, Fresh Ham, The Nut Factory, Cubby’s World Flight, Cubby’s Picnic, The Gay Gaucho, Galloping Fanny, Croon Crazy. 1934: Sinister Stuff, Goode Night, How’s Crops?, Cubby’s Stratosphere Flight, Mild Cargo, Fiddlin’ Fun, Mischievous Mice (no distribuida).

"Croon Crazy" se puede ver en Youtube.

MAS PRIMEROS CARTOONS EN COLOR

Anteriores a "The King of Jazz", pero producidos en la época muda, hubo otros cartoons realizados en color. El honor de ser el primero corresponde a la película “The Debut of Thomas Cat” realizada por Earl Hurd para el estudio Bray en 1920 y filmada mediante el proceso Brewster color.

John Randolph Bray

De hecho la animación filmada en color durante los veinte es más habitual de lo que previamente se creía. Otro ejemplo es la serie “Ebenezer Ebony” producida por The Sering D. Wilson and Co. Studio en 1925, filmada mediante el proceso Kelly color. Sin embargo, a causa de sus limitaciones tanto técnicas como económicas estos intentos de animación en color tuvieron una corta vida. Bray, por ejemplo, no volvió a realizar otra película en color.

El tema es polémico, pues hay quien cree encontrar precedentes más tempranos. Dennis Gifford en su libro “British Animated Films” reclama el título de primer dibujo animado en color a una película, combinación de animación de maquetas y acción real, llamada “Gollywod Land” de 1912, dirigida por F. Martin Thornton y realizada en Kinemacolor por The Natural Colour Kinematograph Company.

“THE KING OF JAZZ”. EL PRIMER CARTOON SONORO EN COLOR

A finales de 1929, Universal Pictures decidió realizar la más fantástica, costosa y extravagante de cuantas películas musicales se hubieran hecho hasta la fecha. La película “The King of Jazz” ofrecía al espectador dos horas y media de música de las mejores orquestas de Hollywood, la apabullante personalidad del músico Paul Whiteman, la fascinante novedad del color y todos los efectos especiales y trucajes ópticos que el estudio pudo meter en tan largísimo metraje.

Además de estas novedades la película, estrenada en abril de 1930, incluía un prologo animado. Universal preguntó a Walter Lantz si podía meter en su esquema de trabajo con los cortos de Oswald un encargo adicional, y este accedió de inmediato. Walt realizo un dibujo animado de unos tres minutos de duración, protagonizado por Paul Whiteman en el papel de un desafortunado cazador en África. Contiene asimismo un brevísimo cameo de Oswald.

La secuencia se convirtió en el primer dibujo animado sonoro realizado en color. Bien que se trataba un color de espectro muy limitado, filmado mediante el procedimiento Technicolor nº 3, entonces una novedad, que empleaba tan solo dos colores (verde y rojo). El uso del sistema tricromático en un dibujo animado no se vería hasta 1932, año del estreno de “Flowers and Trees” de Disney.

En aquellos días, el proceso de tres colores no podía ser aplicado a las películas de acción real, pero si era adecuado para las películas de dibujos. Disney tomo ventaja sobre el resto de los estudios al firmar con Technicolor un acuerdo para el uso exclusivo del sistema de tricromía durante dos años, lo que forzó a la competencia a tener que usar el Technicolor bicromático o el más barato sistema Cinecolor.

Según cuenta Joe Adamson en su libro “The Walter Lantz Story” el uso del color supuso nuevos problemas para éste. En concreto, no existían pinturas adecuadas para adherirse a la superficie de los acetatos. El empleo de colores estándar “Grumbacher” al óleo significó un continuo dolor de cabeza, pues se empezaban a cuartear antes incluso de poder ser filmados. Por otro lado, debía enfrentarse al secretismo del técnico de Technicolor, que llegaba al extremo de traer la cámara cada mañana al estudio y retirarla cada noche.

Walter Lantz había ideado un sistema para que Whiteman grabase la música al ritmo exacto y siempre idéntico necesario para un dibujo animado sonoro. Tomó una película sin exponer y la perforó cada doce fotogramas, de modo que, al ser proyectada, actuase como un metrónomo. Sin embargo, Whiteman se negó rotundamente a seguir el ritmo marcado por nadie. Cuando llegó el momento de grabar la música, le pregunto a Lantz que compás quería. Este le contesto que 2/12, es decir, medio segundo. Y sin más, Whiteman comenzó a dirigir su orquesta a un compás exacto de medio segundo durante toda la pieza.

Paul Whiteman aparece también en un corto de Oswald del mismo año titulado “My Pal Paul”, realizado para promocionar “The King of Jazz” y donde se incluían varias canciones de la película.

WalterLantz quería seguir realizando sus películas en Technicolor, pero su coste de 31.5 dólares por minuto de copia era más de lo que Laemmle estaba dispuesto a pagar por la novedad. Walt no volvería a emplear el color hasta la serie “Cartune Classics”, que comenzó en octubre de 1934 con el corto “Jolly Little Elves”.

Podeis ver el prologo animado de "The King of Jazz" en Youtube.

NOTA: No todos consideran “The King of Jazz” el primer dibujo animado sonoro en color, habiendo quien opina que ese título corresponde a “Goofy Goat Antics” de Ted Eschbaugh, a pesar de que la mayoría de las fuentes datan su estreno en 1931.